Questo è un saggio cinematografico scritto da Go-chan, un vero amante del cinema, che esprime i suoi pensieri più sentiti. È un progetto divertente con alcune illustrazioni cinematografiche molto rare. Tuttavia, si vocifera che il tempo impiegato e i costi bassi abbiano reso il progetto insostenibile e la serie sia stata interrotta… Questa è una risorsa preziosa che ci offre uno sguardo sul vero amore di Go-chan per il cinema! È stato pubblicato a puntate nel numero dell’estate 1985 (il primo numero) di “Shishioh” (rivista trimestrale di Asahi Sonorama). Originariamente era trimestrale, ma è diventato mensile a partire dal numero di ottobre 1986.
Go・Go・Theater (23 numeri) 1985 (Showa 60) inizio estate (primo numero) – 1988 (Showa 63) numero di febbraio
(Nessun annuncio di fine nel numero di febbraio… il numero di marzo non è confermato)
○ Numero di inizio estate 1985 (Showa 60) (Primo numero) “Il pianeta proibito delle scimmie”
○ Numero di inizio autunno 1985 (Showa 60) (Numero di serie 2) “Nessuna elettricità erotica…”
○ Numero di inizio inverno 1986 (Showa 61) (Numero di serie 3) “Sono stupito dai film di Hong Kong…”
○ Numero di inizio primavera 1986 (Showa 61) (Numero di serie 4) MIGLIORE o PEGGIORE FILM “Vampires galore”, Galleria di illustrazioni “Devilman contro Sirene” 2p 4 colori
○ Numero di inizio estate 1986 (Showa 61) (Numero di serie 5) MIGLIORE o PEGGIORE FILM “È pieno di zombi” (Questo è il secondo numero estivo…)
↓Il primo numero mensile si intitolerà “Australia GO Theater”.
○ Numero di settembre 1986 (Showa 61) (numero n. 6) “Io e il film ‘Kuro Sawa’”
○ Numero di ottobre 1986 (Showa 61) (numero n. 7) “Io e l’alieno”
○ Numero di novembre 1986 (Showa 61) (numero n. 8) “È il mistero dell’Oriente”
○ Numero di dicembre 1986 (Showa 61) (numero n. 9) “Il monocromatico è divertente”
○ Numero di gennaio 1987 (Showa 62) (numero n. 10) “Uomini di Hollywood”
○ Numero di febbraio 1987 (Showa 62) (numero n. 11) “Diventa cattivo”
○ Numero di marzo 1987 (Showa 62) (numero n. 12) “Girls of Wonderland”
○ Numero di aprile 1987 (Showa 62) (Numero 13) “American Cinema Now”
○ Numero di maggio 1987 (Showa 62) (Numero 14) “Sydney Lumet, il genio del dramma in sala chiusa”
○ Numero di giugno 1987 (Showa 62) (Numero 15) “Australian Rhythm”
○ Numero di luglio 1987 (Showa 62) (Numero 16) “The Night I Went to War”
○ Numero di agosto 1987 (Showa 62) (Numero 17) “The Age of Nostalgia”
○ Numero di settembre 1987 (Showa 62) (Numero 18) “My Animomo” – L’apparizione di Devilman
○ Ottobre Numero del 1987 (Showa 62) (Numero 19) “Devilgel Heart”
○ Numero del novembre 1987 (Showa 62) (Numero 20) “Fantastic Land” – Apparizione di Omorai-kun
○ Numero del dicembre 1987 (Showa 62) (Numero 21) “Festival, Wasshoi!”
Numero del gennaio 1988 (Showa 63) (Numero 22) “Are Kore Theater”
Numero del febbraio 1988 (Showa 63) (Numero 23) “Hero Ethnology” 007 e Teito Monogatari. L’episodio finale?
Shishioh Lounge : Per due settimane a gennaio del prossimo anno, sarò all’Avoriaz Fantastic Film Festival, sulle montagne svizzere, come giudice! Ma avrò un programma così fitto che non riuscirò nemmeno a passare il Capodanno! Che schifo!
Numero di maggio 1988 (Showa 63), Australia GO Theater Edizione speciale “Rapporto speciale del 16° Avoriaz International Fantastic Film Festival” 7 pagine
1. Inizio estate 1985 (primo numero) “Il pianeta proibito delle scimmie”
2. Inizio autunno 1985 “Nessuna elettricità erotica mi scorre dentro…”
3. Inizio inverno 1986 “Sono rimasto sorpreso dai film di Hong Kong…”
4. Inizio primavera 1986 MIGLIORE o PEGGIORE FILM “Pieno di vampiri”
5. Estate 1986 MIGLIORE o PEGGIORE FILM “Pieno di zombie”
6. Autunno 1986 “Io e il film ‘Kuro Sawa’” titolo cambiato in “Australia GO Theater”
7. Ottobre 1986 “Io e gli alieni”
8. Novembre 1986 “Il mistero dell’Oriente”
9. Dicembre 1986 “Il bianco e nero è divertente”
10. Gennaio 1987 “Gli uomini di Hollywood”
11. Numero di febbraio 1987: “Go Bad Guy!”
12. Numero di marzo 1987: “Girls in Wonderland”
13. Numero di aprile 1987: “American Cinema Now”
14. Numero di maggio 1987: “Sidney Lumet, il genio dei drammi a porte chiuse”
15. Numero di giugno 1987: “Australianism”
16. Numero di luglio 1987: “The Night I Went to War”
17. Numero di agosto 1987: “The Nostalgia Era”
18. Numero di settembre 1987: “My Animomo” – Appare Devilman
19. Numero di ottobre 1987: “Devilgel Heart”
20. Numero di novembre 1987: “Fantastic Land” – Appare Omorai-kun
21. Numero di dicembre 1987: “Festival, Wasshoi!”
22. Numero di gennaio 1988: “Tutto sul teatro”
23. Numero di febbraio 1988 “Etnologia degli eroi”
Parte 1: “Il pianeta proibito delle scimmie” Numero di inizio estate 1985 (primo numero) P194-195
Il primo film che ricordo di aver visto è stato “Zamba “. Credo fosse il 1948 o il 1949. Raccontava la storia di un ragazzo abbandonato nella giungla africana, salvato da un gorilla dal cuore gentile e riunito ai suoi genitori. Ricordo vividamente la scena in cui il ragazzo stava per essere ucciso da un leone, quando un gorilla gigante apparve e strangolò a morte il leone con un abbraccio da orso.
Da allora, i mostri sono diventati i miei eroi! Questa sensazione si è ulteriormente rafforzata quando ho visto “King Kong” in seconda elementare , e si è consolidata con l’apparizione di “Godzilla” in terza elementare . Quindi, sono un amante dei film sui mostri. Forse la mia ossessione per la fantascienza e l’horror è dovuta in parte al fatto che questi generi spesso presentano mostri. È meraviglioso vedere questi film sui mostri spuntare uno dopo l’altro di questi tempi. Quest’anno abbiamo già assistito alla resa dei conti dei 3G ( Ghostbusters, Gremlins, Godzilla ), seguiti da Dune, La storia infinita, Starfighter e Terminator . Sembra che ce ne saranno altri, a partire da Razorback . È un buon momento per essere un fan dei mostri. Terminator non è un mostro. Alcuni potrebbero dire che è un robot, ma per me il mostro è mostruosità, quindi non importa quale forma assuma. Pertanto, l’ androide di Terminator è il “mostro” per eccellenza, e il bellissimo ragazzo di The Glowing Eyes è stato un momento clou del genere. Tuttavia, con così tanti film sui mostri in produzione, è naturale volerli giudicare. Non è più così che siamo tutti entusiasti di un mostro insignificante, come ai vecchi tempi. Quindi, diamo un’occhiata attenta ai film sui mostri di quest’anno, sia belli che brutti! (Questa è solo la mia opinione, ovviamente.) Senza dubbio, “Dust” è uno dei più grandi film di mostri di quest’anno, o addirittura di questo secolo. È davvero un capolavoro irripetibile, un’opera monumentale che rimarrà per sempre, come “2001: Odissea nello spazio” ! Non è esagerato dire che quest’opera monumentale vale cento film. Ciò che è così sorprendente di “Dust” è la splendida visualizzazione degli aspetti spirituali dell'”umanità” e della “storia umana”. “Dust” è una “storia spirituale” rappresentata sotto forma di un film di mostri. Nessun essere umano in “Dust” ha un aspetto normale. Persino il protagonista, che inizialmente appare normale, ha gli occhi azzurri, perché incarnano lo spirito di quelle persone. L’aspetto orribile del Barone Harkonnen rappresenta i suoi orribili desideri. Il bizzarro navigatore è probabilmente la rappresentazione di un anziano monaco il cui spirito si è espanso su scala cosmica. Gli occhi azzurri rappresentano la resistenza degli oppressi (la gente comune). Quindi, cos’è esattamente il mostro di sabbia, il Verme? Comprendere il Verme è la chiave per comprendere il tema di “Dust Planet ”. Il Verme non è altro che “l’energia spirituale umana che muove la storia”. Paul, il protagonista, acquisisce occhi azzurri e addomestica il mostro di sabbia, controllandolo e infine controllandolo a suo piacimento, portando a una rivoluzione di successo e diventando un eroe. Questo rappresenta il processo del protagonista nel catturare i cuori delle persone, imbrigliando la loro energia esplosiva come se fosse la propria e realizzando i propri ideali. Ora, passiamo al peggior film di mostri dell’anno. Purtroppo, è stato “Godzilla”. Sono stato sciocco a nutrire grandi speranze nella promessa del film di “tornare al Godzilla originale”. Dopo averlo visto, ho vagato per tutta la notte urlando nella mia testa: “Quello non è Godzilla!”. Perché il primo “Godzilla” era così fantastico? Perché Godzilla era una “creatura sconosciuta” ben oltre l’immaginazione umana. Era un’entità che ha distrutto l’identità dell’umanità come “la forma di vita più potente della Terra”. Tuttavia, con questo film “Godzilla” , i registi hanno rinunciato a Godzilla. È così ovvio che hanno sottovalutato le capacità di Godzilla, pensando: “Questo è il limite delle capacità di Godzilla” e ”Questo è il modo in cui possiamo sconfiggerlo”, che è impossibile che sia interessante. Quando hanno creato il nuovo Godzilla, hanno deciso di farlo morire facilmente in un attacco missilistico nucleare. Cosa diavolo stavano pensando? Hanno dimenticato quanto fosse terrificante il primo Godzilla perché era nucleare. Il Godzilla del primo film era una “bomba atomica vivente”. Fu proprio perché era un “mostro” risvegliato da un test atomico, con un volto che ricordava un fungo atomico e il potere distruttivo di una bomba atomica che abitava il suo corpo vivente, che divenne un capolavoro che superò tutti gli altri film sui mostri. Pertanto, Godzilla può nascere da una bomba nucleare, ma non dovrebbe morire a causa di essa. Un altro motivo di questo fallimento è la mancanza di realismo. Inutile dire che Godzilla è una creatura immaginaria, una creatura finta. La chiave del successo sta nel riuscire a far sembrare vera una bugia. Questo dipende da quanto realistiche si riescono a rendere le circostanze. È qui che risiede il successo del primo film. La regia in stile documentaristico, che ricorda i filmati dei cinegiornali, ha conferito al film un senso di realismo, facendo sembrare reale il falso Godzilla. Tuttavia, il nuovo film di Godzilla non solo presenta il falso Godzilla, ma introduce anche una bugia ancora più grande, il “Super X”. Quando le bugie vengono raddoppiate, qualsiasi realismo viene spazzato via. Questo è ciò che si chiama “aggiungere bugie”. Un altro problema è che l’eroina, che è una recitazione dilettante, è scelta per il ruolo di una “donna” all’antica, ormai introvabile. Se avessero sfruttato la naturale femminilità moderna, il film sarebbe stato più realistico. La cosa più preoccupante è che Godzilla non sembra affatto enorme. Per far sembrare Godzilla grande, bisogna rimpicciolire tutto il resto.
Tuttavia, il film presenta numerosi primi piani di Kobayashi Katsuji, che interpreta il primo ministro. Naturalmente, questo lo fa sembrare più grande di Godzilla. Sarebbe stato naturale per Godzilla e il primo ministro lottare nel momento culminante, regolando i conti. Sebbene il nuovo Godzilla sia stato deludente, la Toho, come previsto, non ha lasciato che Godzilla si soffermasse. Hanno pubblicato un annuncio per una storia per “Godzilla Resurrection Part 2”. E c’era un premio di tre milioni di yen. Questa è una mossa audace, insolita per l’industria cinematografica giapponese, che non spende molti soldi in sceneggiature. Sono pieno di grandi speranze per “Godzilla Resurrection Part 2 ”, perché credo che porterà alla creazione di una storia ideale da parte di un vero fan di Godzilla e, ancora una volta, un film di mostri che potrà essere apprezzato in tutto il mondo nascerà in Giappone. “Forza, Godzilla!”
Parte 2: “L’elettricità erotica non funziona…” Numero di inizio autunno 1985, pp. 62-63
Sono il quarto di cinque fratelli.
Io e il mio fratello maggiore abbiamo 14 anni di differenza. Lui era un appassionato di cinema. Aveva tutti i numeri di Kinema Junpo fin dalla loro prima uscita, persino uno dall’aspetto trasandato, fatto di carta paglia, dell’immediato dopoguerra. Sono cresciuto leggendo pile di quei numeri da quando sono stato abbastanza grande da capire.
Grazie a questo, mi sono rapidamente interessato all’arte cinematografica e questo ha anche contribuito a sviluppare la mia immaginazione. Da bambino, immaginavo film che non potevo vedere basandomi sulle foto e sui testi di Kinema Junpo e fingevo di averli visti. Il mio secondo fratello era emotivissimo e loquace. Usava gesti e linguaggio del corpo per descrivere i film che aveva visto in dettaglio e con dettagli divertenti. Combinando i racconti di mio fratello con Kinema Junpo, la mia immagine del cinema è diventata ancora più completa.
Pensavo di aver visto “Tempi moderni” di Chaplin in quel modo , ma quando l’ho visto davvero più tardi, da adulto, sono rimasto stupito da quanto ogni scena fosse simile a come l’avevo immaginata.
Sono state le foto di Kinema Junpo a suscitare il mio interesse per le donne nude. Ho ammirato con entusiasmo il costume trasparente ispirato a Le mille e una notte di Gina Lollobrigida in “La Belle des Nuits” e il seducente nudo di Martine Carol in “Poison and the Borgia”, tormentandomi e facendomi esplodere di emozione.
Oggigiorno, le donne nude non sono rare, ma a quei tempi (primi anni ’50) erano così rare che raramente venivano ammirate. Questo era particolarmente vero per me, alle elementari.
Martine Carol era una famosa star francese nota per le sue scene di nudo prima dell’arrivo di Brigitte Bardot. Sono rimasto stupito anche dalla biancheria intima nera di Martine in “Nana”. Il suo abbigliamento , un reggiseno di pizzo nero e una guaina piena di buchi, calzini neri e tacchi alti, è stato uno shock culturale per me, dato che avevo sempre pensato che la biancheria intima femminile consistesse in un perizoma o in mutandine di cotone. Quando ho sentito che i suoi seni erano apparentemente esposti in una scena del bagno in “Caroline’s Unfaithfulness”, suscitando scalpore tra gli adulti, ero furiosa e in agonia (che bambina delle elementari ero). Quando ho letto un articolo su Kinema Junpo che annunciava che Martine Carol sarebbe finalmente apparsa completamente nuda, mi sono maledetta per essere una bambina. (Sì, quando sarò grande, vedrò sicuramente Martine Carol nuda!) Ho giurato a me stessa. Purtroppo, non ne ho ancora avuto l’occasione (Martine Carol è morta improvvisamente alla giovane età di 45 anni nel 1967). La prima volta che ho avuto la fortuna di vedere una bella donna nuda in un film, è stato durante il mio primo anno di scuola media. Era nel film di suspense diretto da Mylène Demongeot “A Woman’s Game”, Il milionario aveva fermato il suo motoscafo e stava tranquillamente osservando il mare notturno quando, all’improvviso, Mylène Domonjo, completamente nuda, è apparsa sul motoscafo con un tonfo. Il corpo giovane e voluttuoso di Domonjo, appena fuori dalla pancia, si è riversato all’istante oltre il bordo del motoscafo. (Wow! Sono così bianchi, così morbidi, così belli, elastici, così rotondi, così pieni, oh no, impossibile, i miei seni. Ah, ah, dovrebbero essere seni? Sono panini fumanti al vapore o panini dolci ai fagioli?) In quel momento, ogni sorta di emozioni mi attraversarono la testa e brividi erotici mi percorsero il corpo.
Come posso descrivere l’emozione che provai allora? (Ah, sono così felice di essere nata! Sono così felice di essere viva! C’è qualcosa di bello in questo mondo! In questo mondo inquinato, esiste la bellezza suprema: la nudità! La nudità di una giovane, bellissima donna!) Questa era la portata della mia emozione. Fu il momento in cui io, che avevo vissuto per inerzia, trovai finalmente uno scopo nella vita. (Vivrò per questa bellezza!)
Ricordo ancora l’intensa emozione che provai allora, e ogni volta che sento che una bellissima attrice si è spogliata per la prima volta, corro all’azione. Era la bellissima attrice Isabelle Adjani in “Summer of the Dead”. L’immagine della bellezza di Isabelle in “Adele’s Love Story” mi balena in mente. I nudi di Isabelle Adjani erano davvero bellissimi. Il suo viso era grazioso, e la sua figura magnifica. Non era in bianco e nero come con Mylène Demongeot, e non era solo uno sguardo fugace. Era completamente esposta in varie pose, ma in qualche modo non provavo la stessa eccitazione. (C’è qualcosa che non va?) No, nessuna elettricità erotica mi percorreva il corpo. (C’è qualcosa che non va in me?) O forse (Sono cresciuta e la mia sensibilità si è affievolita?).
No, non è che io sia diventata più ottusa, o che Isabelle sia meno attraente di Mylène. È colpa del mondo! Sono i tempi. È perché c’è troppa nudità al giorno d’oggi. Nudità, nudità, nudità ovunque: sulle riviste, in TV, nei manga (che è colpa mia, però).
Per questo motivo, oggi trovo Fanny Ardant, che non si toglie un solo centimetro di vestiti nell’ultimo film di Truffaut, Una giornata con una donna, anch’esso un film francese, molto più sexy di Isabelle in Una giornata con una donna, che ostenta molta nudità.
Parte 3: “Sono rimasto sorpreso dai film di Hong Kong…” Numero di inizio inverno 1986, pp. 28-29
Una delle novità nel mondo del cinema di quest’anno è stato il Tokyo International Film Festival. Quello che ho particolarmente apprezzato è stato, ovviamente, il Fantastic Film Festival.
È stato come un sogno che si avverava per me poter vedere un sacco di film fantasy tutti insieme, anche se non ero sicuro che sarebbero mai usciti in Giappone. Non ho potuto fare a meno di esclamare: “Fantastico!”.
Tuttavia, a causa dei miei impegni serrati, ho finito per perderne parecchi. Volevo davvero vedere “Nightmare on Elm Street”, ma dovevo rispettare una scadenza per i manga e non ho potuto vedere “The Last Battle” perché ero all’SFX Museum. Quindi, che peccato!
Scriverò di alcuni dei film interessanti e sorprendenti che ho visto al Fantastic Film Festival. “Cold Room”, un film britannico su una ragazza perseguitata da un fantasma dell’era nazista , ha accentuato il senso di paura con la sua regia solida e realistica. Che paura! Ecco come sono i veri fantasmi. “Fire & Ice”, un film d’animazione creato da Ralph Bakshi (de “Il Signore degli Anelli”) con un budget di 10 milioni di dollari, è un’opera deliziosa, con personaggi creati dal mio illustratore fantasy preferito, Frank Frazetta, portati in vita grazie alla tecnica del rotoscoping, firmata Bakshi. La tecnica del rotoscoping, che prevede la ripresa di scene dal vivo con attori e il successivo trasferimento di ogni fotogramma del film su una cella di proiezione, è stata ulteriormente perfezionata, dando vita ad alcune scene di combattimento con la spada davvero impressionanti. La storia, con la sua atmosfera fantasy eroica, è davvero deliziosa. È un peccato che non abbiano distribuito “Fire & Ice” solo perché ” The Story of a Slave” è stato un flop. ” The Dead Zone”, del regista canadese David Cronenberg, noto per film unici come “Rabid”, “Brood”, “Scanners” e “Videodrome”, è un capolavoro di suspense su un uomo che acquisisce poteri precognitivi dopo un incidente d’auto. Sebbene non presenti gli effetti speciali cruenti dei suoi lavori precedenti, il film in sé è eccellente. Se dovessi dire cosa mi ha sorpreso, direi che è stato un film di Hong Kong. “Shushan”, il primo film di Hong Kong con effetti speciali a grandezza naturale , è un film d’azione fantasy con Yuen Biao e Sammo Hung Kam-Bo che racconta una battaglia tra immortali e demoni. Come Jackie Chan , sono un loro fan fin da “Project A”, quindi sono andato a vederlo con grandi aspettative. E sono rimasto sbalordito! È stato incredibile. Non solo le mosse di kung fu erano incredibili, ma anche i personaggi erano mescolati insieme, volavano a velocità supersonica, emettevano raggi di luce dai loro corpi e le armi volavano ovunque: è stata un’esperienza incredibilmente vivace. Wow! Interessante. All’inizio ero emozionato, pensando che fosse raro vedere film d’azione così straordinari, ma le scene d’azione sfrenate si sono susseguite senza soluzione di continuità dall’inizio alla fine. La storia e tutto il resto erano secondari; era azione, azione, azione. È un continuo bombardamento di azione. Per dirla metaforicamente, è come essere costretti a mangiare tre portate complete di cibo cinese pesante e ricco di azione in poco tempo. La sensibilità giapponese potrebbe far pensare: “Vorrei che ci fosse un po’ più di respiro” o “Ci vorrebbe più storia”, ma forse è proprio questa la differenza tra un paese di cucina cinese e un paese di riso e sashimi. Un altro film di Hong Kong, “La leggenda del pianista sull’oceano”, è una rappresentazione grezza di un’antica storia di fantasmi cinese, diretta dal famoso regista King Hu, vincitore di numerosi premi cinematografici internazionali. Eppure, anche questo film sembrava tre portate complete di cibo cinese pesante. (Ma forse l’incredibile energia di questi film di Hong Kong si è persa da tempo nei film giapponesi?) È stata una serata fantastica e sono tornato a casa dopo aver mangiato cibo cinese.
Parte 9: “Monochrome is Omokuroi” numero di dicembre 1986 P40-41
Di recente, mi è venuta voglia di guardare un film molto vecchio, così ho comprato il laser disc originale in bianco e nero di “King Kong”. Ho visto questo film per la prima volta quando ero in seconda o terza elementare, poco prima di “Godzilla”. Certo, questo film è uscito negli Stati Uniti nel 1933, molto prima dell’uscita di “Godzilla”, e io non ero ancora nato allora (chi diavolo avrebbe mai pensato che lo fossi? Non sono abbastanza vecchio per saperlo!), ma l’ho visto allora. Volevo vedere quanto fosse bello il pupazzo animato di King Kong, che all’epoca trovavo così terrificante, e ancora oggi sono stupito di quanto sia impressionante. (Voglio dire, non c’è da stupirsi che lo trovassi così spaventoso da bambino.) Essendo un pupazzo animato, i movimenti di King Kong sono un po’ a scatti, ma le espressioni facciali dettagliate sono ben realizzate, rendendo difficile credere che sia un film di oltre 50 anni fa. È impressionante quanto il King Kong di peluche che Rick Baker realizzò per il remake di “King Kong” (ricordo di aver visto questo animale di peluche lanciato contro un muro in un angolo quando visitai lo studio di Rick Baker). Era un capolavoro, un vero pioniere degli effetti speciali cinematografici.
Quello che ho percepito guardando questo film è che i film in bianco e nero hanno un realismo misterioso. Certo, “King Kong” è un film surreale sui mostri della giungla, e i movimenti dei mostri del secolo scorso sono a scatti proprio come quelli di King Kong, ma in qualche modo non posso fare a meno di pensare che nelle giungle del passato cose del genere sarebbero potute accadere. In altre parole, mi ritrovo immerso nel mondo di questo film.
Per qualche ragione, trovo i film in bianco e nero più reali di quelli a colori. Ciò potrebbe essere dovuto alla mia educazione, che mi ha portato a guardare i cinegiornali (sapete cosa sono i cinegiornali, vero? All’epoca, di solito venivano proiettati prima che i film uscissero al cinema, e spesso avevano la voce narrante del padre di Takewaki Muga. Sono scomparsi con l’avvento della televisione). In altre parole, forse siamo abituati all’idea che il bianco e nero sia vero (non-fiction) e il colore sia finzione, ma forse non è così. Sembra
che molte persone siano esigenti con i film in bianco e nero. Per “Mahjong Hyouryoku” della Kadokawa Pictures, il regista Makoto Wada ha insistito sul fatto che il colore del periodo immediatamente successivo alla guerra dovesse essere il bianco e nero, e ha certamente creato un film con un’atmosfera molto bella che evoca quell’epoca. Anche se lo sviluppo della pellicola in bianco e nero è ora più costoso, uno dei motivi per cui il bianco e nero dà un senso di antichità è dovuto in parte allo stereotipo secondo cui il bianco e nero è un film vecchio e il colore è un film moderno. Dopotutto, il cinema a colori ha una storia nuova, mentre il bianco e nero è un film di un’epoca passata. Il regista Wada probabilmente ha sfruttato questo aspetto per creare un senso di epoca passata.
Il bianco e nero si adatta anche bene a rappresentare un mondo di povertà. Le scene in bianco e nero di capolavori del neorealismo italiano come “Il lustrascarpe” e “Ladri di biciclette” di Vittorio De Sica evocano anch’esse un senso di tristezza. Allo stesso modo, il capolavoro di De Sica sulla fantasia della povertà (non sono sicuro che esista un genere chiamato così), “Il miracolo di Milano “, usa il bianco e nero per descrivere la vita di un gruppo di persone quasi senza casa, creando un effetto interessante.
Anche nei film giapponesi, il bianco e nero sembra adattarsi alla rappresentazione della povertà. In film come il capolavoro di Kaneto Shindo “The Naked Island”, che racconta la storia di contadini duri e poveri su un’isola, e “Mud River” di Kohei Oguri , l’ ambientazione in bianco e nero trasmette vividamente l’amore e la tristezza in un contesto di povertà.
Recentemente, negli Stati Uniti, vecchi film in bianco e nero sono stati spesso colorati utilizzando la colorizzazione generata al computer per la trasmissione televisiva. A quanto pare, si è sviluppato un feroce movimento di opposizione, guidato da registi di Hollywood e altri. Ad esempio, sostengono che la scelta del colore dell’abito nel capolavoro di Orson Welles “Quarto potere” sia un atto creativo e non dovrebbe essere fatta da nessuno se non dall’autore, Orson Welles. Naturalmente, la violazione del copyright è un fattore in questo caso, ma credo che l’opposizione sia guidata da un forte desiderio di vedere capolavori in bianco e nero a colori. (Non sono d’accordo.)
Ci sono molti film che usano efficacemente sia il bianco e nero che il colore. “High and Low” di Kurosawa ha utilizzato una sola scena a colori con un effetto sorprendente, mentre “Il mago di Oz”, con la madre di Liza Minnelli, Judy Garland , ha creato un mondo reale monocromatico e un mondo fantasy colorato.
Questo separa nettamente e letteralmente il mondo reale serio dal mondo fantasy colorato e gioioso. Questa è una netta differenza rispetto al suo sequel, in cui realtà, fantasia e il mondo di Oz finivano per apparire tutti simili e terrificanti.
Recentemente, sono stati realizzati diversi affascinanti film in bianco e nero, tra cui “Voglio dormire”, che cattura l’atmosfera del cinema muto in modo divertente ; “Stranger Than Paradise”, che fa sembrare la vita di tutti i giorni una fantasia ; e la versione sovietica di “Re Lear”, che evoca la dura atmosfera del Medioevo .
Inoltre, a seconda del teatro, “Neve nei campi, neve nelle montagne, neve sul mare” del regista Obayashi Nobuhiko verrà proiettato sia a colori che in bianco e nero, quindi mi piacerebbe vedere entrambe le versioni, se possibile, e confrontare le mie impressioni.
Parte 10: di “Uomini di Hollywood” gennaio 1987 P32-33
All’improvviso, ho ricevuto una chiamata a casa da John Zabrucki di Modern Prop, che mi ha detto di essere a Roppongi. Modern Prop è un’azienda di Hollywood che progetta e produce oggetti di scena per film di fantascienza, e John ne è il progettista e presidente. Modern Prop ha lavorato a un numero enorme di film di fantascienza, tra cui “Star Trek” e “Blade Runner “. Ad esempio , per “Star Trek”, hanno progettato e prodotto la cabina di pilotaggio dell’astronave, la sala macchine e le armi futuristiche utilizzate dall’equipaggio. Più recentemente , hanno lavorato a “Starfighter” e “Electric Dream “. Modern Prop ha anche lavorato al letto medico che fa rivivere il samurai congelato in “Sci-Fi Sword Kill”.
Ho visitato una delle sue produzioni hollywoodiane circa cinque anni fa, ed è stata spettacolare. Lo spazio in cui sono ordinatamente allineati gli oggetti di scena dei suoi precedenti film di fantascienza è in realtà più grande dello spazio di produzione. È come un piccolo museo dedicato al cinema di fantascienza, pieno di armi futuristiche e mobili che ricordano quelli visti in vari film di fantascienza, ognuno dei quali incredibilmente ben fatto. A differenza dei film giapponesi, non dipingono i pali di legno d’argento per farli sembrare d’acciaio. Invece, l’acciaio è acciaio, la plastica è plastica: tutto è robusto e durevole, costruito per resistere a un uso ripetuto. I mobili, in particolare, hanno un design leggermente diverso, ma sono comunque praticamente utilizzabili.
Il motivo per cui “Modern Props”, come un museo di fantascienza, espone opere precedenti è perché questi oggetti non vengono utilizzati una sola volta, ma vengono prestati di nuovo. Poiché i film a basso budget non hanno le risorse per creare nuovi set e oggetti di scena, prendono in prestito oggetti di scena da “Modern Props” realizzati in precedenza.
Tuttavia, per evitare di creare un film che assomigli a quelli del passato, a volte mescolano oggetti di scena di Star Trek e Blade Runner , creando un’atmosfera diversa (anche ridipingendoli). Poiché possono essere riutilizzati, possono permettersi di spendere soldi per ogni oggetto di scena e set, creando pezzi di alta qualità. È chiaro che il realismo della fantascienza hollywoodiana è supportato anche da aziende come Modern Prop. Ho concordato di incontrare John nella hall dell’hotel e siamo arrivati all’orario stabilito quella sera. Quando siamo arrivati, ho visto due stranieri sconosciuti vagare per la hall. Uno era piccolo, con occhiali, pantaloncini larghi e un’acconciatura da mohawk, sembrava uscito da un’avventura nella giungla. L’altro era alto quasi due metri, snello e vestito in stile heavy metal, con i capelli biondi che gli arrivavano alle spalle. Anche nella luce più favorevole, non sembravano una normale coppia di stranieri. Ero sicuro che fossero collegati a John, così ho parlato con loro e ho scoperto che erano effettivamente dipendenti di Modern Prop. Il tipo in pantaloncini corti era Steve, e quello heavy metal era Chris.
Poi è arrivato John con Jerry dei Devo. I Devo sono una rock band che ha collezionato una serie di successi qualche tempo fa, e Jerry suona il basso in quella band. John e Jerry sono migliori amici e vivono nella stessa casa (anche se a quanto pare non sono gay). John era entusiasta che Modern Prop avesse avuto un tale successo da far crescere la sua azienda di parecchie volte, così ho deciso di organizzargli una festa a casa mia quel fine settimana.
Poco dopo l’arrivo di John in Giappone, è iniziato il Tokyo Fantastic Film Festival. Si tratta di una continuazione indipendente del Fantastic Film Festival, una sezione molto apprezzata del Tokyo International Film Festival dello scorso anno. È stato prodotto da Yoichi Komatsuzawa, che è rimasto profondamente colpito dall’Avoriaz Fantastic Film Festival in Francia e ha voluto in qualche modo portare quella stessa sensazione in Giappone. Come l’ultima volta, il programma era pieno di film di fantascienza e horror, e io urlavo: “Voglio vedere tutto!”. Fortunatamente, Komatsuzawa mi ha offerto un pass gratuito per il festival. In cambio , mi ha chiesto di esibirmi al cinema del festival e di fare un commento su “Dark Star”.
Adoro “Dark Star” e sono stato tentato dal pass gratuito, quindi ho accettato senza pensarci due volte. Tuttavia, i miei impegni di lavoro erano così serrati che finii per scrivere manga ogni giorno, stringendo forte il mio lasciapassare. Alla fine, la data della proiezione di “Dark Star” (la sera prima dell’ultima proiezione) arrivò prima che avessi il tempo di vedere qualcosa.
Mentre me ne andavo dopo aver completato con successo il mio commento su “Dark Star”, Komatsuzawa mi chiese: “Vorresti incontrare Tobe Hooper il giorno dopo?”. Disse che mi avrebbe presentato Tobe Hooper dopo la festa di chiusura del Fantastic Film Festival. James Cameron, regista di “Terminator” e “Aliens”, era in Giappone di recente per partecipare agli SFX Academy Awards . (L’ho incontrato cinque o sei anni fa, quando ho visitato una produzione di Roger Corman. Ricordo che disegnava il mostro di “Galaxy of Terror” mentre guardava primi piani di pulci e pidocchi.) Dato che ero riuscito solo a stringergli la mano e non a rivolgergli la parola, ero estremamente interessato a incontrare Hooper. Sono un fan di Tobe Hooper da quando mi ha lasciato senza fiato con “Non aprite quella porta “. Ho riguardato “Space Vampires” più e più volte su laserdisc, soprattutto perché il vampiro è una bellissima donna nuda, che è la mia ambientazione preferita. Dato che non volevo andare alla festa e basta, ho deciso di vedere l’ultimo film del festival. (Evviva! Finalmente sono riuscito a usare il mio pass gratuito!) Il film che ha chiuso il Fantastic Film Festival è stato “Ghostbusters ” di John Carpenter. “Ghostbusters” “Ninja” è come la versione di Carpenter di “Indiana Jones” nello stile dei film di Hong Kong, spensierato ma divertente. Presenta numerosi effetti ottici magici, che danno vita a una serie di scene potenti, in stile manga. Ho riso del mago vestito da monaco komuso, ma credo che un film giapponese sui ninja potrebbe essere piuttosto divertente se fosse realizzato con questo tipo di sensibilità.
Tobe Hooper è stato accolto calorosamente in Giappone e sembrava estremamente felice, completamente sopraffatto dalla festa. In America non rilascia interviste e a quanto pare non gli piace apparire in pubblico. I critici americani sembrano essere severi, quindi immagino che sia stato duramente criticato, ma non ho potuto fare a meno di guardarlo con pietà.
I genitori di Hooper lo portavano sempre al cinema da bambino, quindi il cinema era il suo parco giochi. Non appena è cresciuto, gli è stata regalata una telecamera e ha passato tutto il tempo a girare film. Quando ho detto loro che, tra tutte le opere di Hooper, la mia preferita era Lifeforce ( il titolo originale di Space Vampires), sono sembrati molto felici. Potrebbe essere anche una delle loro preferite. John e gli altri della Modern Prop hanno fatto un gran baccano a casa mia prima di andarsene. Chris è un grande appassionato di anime giapponesi. Era emozionato quando il presidente di Hiromedia, venuto a intervistarlo, gli ha regalato un rodovetro di un anime. Steve ha adorato i miei vari giocattoli e ha giocato con un robot per tutto il tempo.
John ha adorato la poltrona massaggiante elettrica e continuava a massaggiarla. A quanto pare non era disponibile in America, quindi mi ha chiesto di mandargli un catalogo perché la sta usando in un film di prossima uscita. Jerry della Deebo ha adorato il Toto Washlet e non si è alzato dal bagno. Erano allegri e desiderosi di servirci, e hanno persino eseguito una sequenza di combattimento con la mia spada e il kusari-gama. È stata una giornata davvero divertente anche per me.
Parte 11: di “Go Bad Guy” febbraio 1987 P60-61
Mi piacciono i cattivi. Ma questo non significa che mi piacciano i cattivi nella vita reale. Non ci sono cattivi attraenti nella vita reale, e anche se ci fossero, non si sa cosa succederebbe se uscissi con una persona del genere. Certo, quello che voglio frequentare sono i cattivi sul grande schermo. I cattivi nei film sono pieni di fascino, proprio perché non si possono incontrare nella vita reale. Anche se sono destinati a essere sconfitti dall’eroe, i cattivi cool lasciano un forte segno sullo spettatore e spesso superano in astuzia il protagonista. È noto che il ruolo di Burt Lancaster nei panni di un cattivo vestito di nero nel western “Veracruz” con Gary Cooper gli è valso una popolarità ancora maggiore rispetto al suo ruolo da protagonista, diventando una star. Godzilla, l’incarnazione stessa del male, si è gradualmente trasformato in un eroe della giustizia, combattendo contro Hedorah e Kong. Più recentemente, Rutger Hauer, il cattivo di “Nighthawks” e “Blade Runner”, ha guadagnato popolarità ed è diventato una star di spicco. Le ragioni del fascino dei cattivi nei film, anche nella realtà, sono ovvie: nel profondo di noi spettatori, desideriamo segretamente diventare cattivi. È un desiderio naturale nella società odierna, controllata dal controllo. Forse è un desiderio di libertà, un desiderio di infrangere anche solo un po’ le regole di una società piena di regole. Ecco perché i film con cattivi davvero avvincenti lasciano un’impressione così forte.
Ed è spesso in contrasto con gli eroi che questi cattivi si distinguono. Pertanto, i film di supereroi presentano quasi sempre un cattivo odioso e freddo. Esempi includono il Bruto in Braccio di Ferro , il Generale Zod in Superman e il malvagio uomo bianco nella serie di Tarzan (anche se questo è un po’ debole. Vorrei un cattivo potente come il genio Wooler che appare urlando “Evviva, evviva!” in Shonen Oja di Yamakawa Soji). C’è anche l’eroe spia, il capo di un’enorme organizzazione criminale che ostacola James Bond nella serie di 007 e che funge anche da assassino. Tra tutti questi supereroi cattivi, quello che ha lasciato il segno più forte è stato Darth Vader, il cavaliere oscuro e mascherato di Star Wars . La gigantesca astronave da guerra che cattura l’astronave della Principessa Leila mentre fugge ad alta velocità. In mezzo a una raffica di fumo bianco e raggi laser, una strana figura, con una maschera nera, un mantello nero e tutto nero, è apparsa senza la minima esitazione. Il suo strano respiro e la sua voce erano amplificati meccanicamente. Non è esagerato dire che dal momento in cui questo cattivo, con la sua presenza travolgente, è apparso, i film di Star Wars erano destinati a essere un successo mondiale. Ecco perché la scomparsa di Darth Vader nel terzo film , Star Wars: Il ritorno dello Jedi, è stata così deludente. È così insulso che una tale incarnazione del male si renda improvvisamente conto di essere il padre di Luke e cambi idea. Vorrei che non si fosse tolto quella magnifica maschera scura per rivelare il volto di un vecchio calvo dall’aspetto gentile. E poi, un incontro commovente con Luke sarebbe stato scandaloso. Avrei voluto che si fosse tolto la maschera per rivelare una parrucca più terrificante e mostruosa, e Luke, sconvolto, sarebbe stato colpito e picchiato a morte, dicendo: “Dopotutto, non sei mio padre”. Un cattivo è figo solo quando viene ucciso mentre è ancora un cattivo. Altrimenti, quale sarebbe la posizione degli scagnozzi morti per ordine di Darth Vader? Forza, cattivo! Sebbene non siano film “eroici”, i film polizieschi non sono nulla senza cattivi. Più inaspettata è la vera identità del criminale, più affascinante è il cattivo, il cui velo di malvagità viene svelato solo attraverso le acute deduzioni di un grande detective. Inoltre, gli stili di vita raccapriccianti di gangster della malavita come George Raft in “Il re dei nazisti”, James Cagney in “La furia della morte” e Humphrey Bogart in “Il fuggitivo disperato” trasudano persino un senso di malinconia.
Il cattivo per eccellenza è il “film horror”. Detto questo, in questo caso, il cattivo assume molte forme diverse. Certo, spesso sono umani ( come nel caso dell’assassino squilibrato di “Psycho” e della serie di “Venerdì 13” ), ma possono anche essere pesci mangia-uomini in “Lo squalo” e “Piranha”, o creature gigantesche in “Radioactive X “, “Alligator” e “Razorback
“. Possono anche essere mostri spaziali in “Alien” e “Space Vampires “, umani artificiali in “Frankenstein “, replicanti in “Blade Runner” e androidi in “Westworld” e “Terminator”, o persino oggetti inanimati come il robot di “Space Satan” o il camion di “Duel “. Possono anche essere personaggi dell'”horror occulto” come Dracula e i lupi mannari in “The Howling” e “Hell Knight”. Possono anche essere demoni invisibili in “L’esorcista “, fantasmi in “Shining” e così via.Ci sono anche gli zombie, come in “La casa” e “Il giorno degli zombi “. Ancora più insoliti sono gli assassini che appaiono nei sogni, come in “Nightmare – Dal profondo della notte”.
È davvero un tripudio di fantasmi e una parata di demoni. Personalmente, non definirei fantasmi o zombie dei cattivi particolarmente attraenti, ma un giovane mangaka della nostra azienda (Dynamic Productions) afferma che gli zombie sono i personaggi con cui è più facile empatizzare, quindi forse alcuni li considererebbero dei cattivi attraenti.
Poi ci sono opere come “1984” e “Brazil”, in cui la struttura sociale stessa è il male che ignora l’umanità, piuttosto che un essere umano, creando un terrore insondabile. Chiamiamo questi cattivi un tipo unico di cattivo.
Beh, ci sono tutti i tipi di cattivi come questi, ma di recente mi sono imbattuto in un film noioso ma con un cattivo interessante. Era “Highlander”, con Christopher Lampert, che interpretava Tarzan in “Greystoke “. La storia parla di guerrieri immortali che non possono morire se non vengono decapitati, ma le ragioni della loro immortalità e la necessità della loro uccisione non sono chiare, il che rende il film un po’ poco avvincente. Le scene di combattimento con la spada sono esagerate, ma i personaggi sono più interessati a distruggere l’ambiente circostante che a sconfiggere i loro avversari, quindi non c’è alcun senso di urgenza. Questo è ciò che speravo, ma i cattivi di questo film sono impressionanti. Clancy Brown è fantastico nel ruolo del guerriero malvagio Kurgan, che affronta Christopher Lampert. È stato l’attore che ha dato una grande interpretazione del mostro di Frankenstein in “Bride”, con Shenifer Beals e Sting . Frankenstein era un mostro gentile, ma questo Kurgan è terrificante. Ha occhi inquietanti, un fisico di 2 metri e 45 e una voce che risuona dalle profondità della terra. È da un po’ che non vediamo un attore mostruoso che riesce a fare a meno di un peluche. Ne sono completamente affascinato. Non vedo l’ora di vedere il suo prossimo film. Beh, i film sono divertenti perché ti permettono di incontrare cattivi come questo uno dopo l’altro. Non vedo l’ora di scoprire che tipo di cattivo apparirà la prossima volta.
Parte 12: di “Ragazze del Paese delle Meraviglie” marzo 1987 P30-31
Per noi uomini, le ragazze sono eternamente misteriose, una sorta di catalizzatore che ispira le nostre “fantasie ultraterrene, le nostre fantasie da Paese delle Meraviglie”. Nell’ultimo anno circa, sono usciti molti film che simboleggiano queste ragazze. Tra questi, “Erendira” di Llulla Guerra, un adattamento cinematografico del romanzo del premio Nobel Gabriel García Márquez, che raffigura in modo fantastico una giovane ragazza costretta a prostituirsi dalla crudele nonna e sottoposta a brutali abusi sessuali; “Sangue di lupo” di Neil Jordan, che visualizza la serie di incubi sessuali di un’adolescente; “The Beehive” di Victor Erice, in cui la fantasia di una giovane ragazza porta a compimento il suo incontro con il suo illusorio Frankenstein ; “Picnic a Hanging Rock” di Peter Weir, che raffigura bellissime ragazze angeliche che scompaiono misteriosamente dal mondo reale; e “Labyrinth” di Jim Henson, che raffigura una ragazza che si perde in un mondo fantastico . Ce ne sono molti, ma tutti usano l'”esistenza” di una giovane ragazza per evocare un mondo fantastico. Forse l’ interesse per la sessualità femminile – la precarietà di non essere pienamente donna pur avendo un corpo femminile, l’inizio delle mestruazioni, qualcosa che gli uomini non capiscono – e il mistero di una ragazza la cui struttura mentale è interamente femminile – sono ciò che ispira gli impulsi creativi degli uomini. Ecco perché le ragazze e il mistero sono così adatti. Un romanzo di fama mondiale che descrive una ragazza del genere e un mondo fantastico è la fiaba di Lewis Carroll “Le avventure di Alice nel Paese delle Meraviglie”. “Dreamchild” di Gavin Miller, uno splendido film fantasy, è una storia d’amore che intreccia Alice Liddell, l’ispirazione per Alice, e il mondo dell’opera di Lewis Carroll, Charles Dodgson . (La sceneggiatura di Dennis Potter, che è stato anche produttore esecutivo, è stata eccellente!) Un mare oscuro e immaginario è creato utilizzando tessuti in movimento. Un mostro fantastico, un grifone e una gigantesca creatura simile a una tartaruga marina sono in piedi su una roccia sulla spiaggia. In piedi tra i due mostri c’è una ragazzina di nome Alice. La ragazzina si trasforma improvvisamente in un’anziana donna. Il film inizia con questa scena iniziale, che descrive l’amore del suo tutore, il signor Dodgson, che nutre segretamente dei sentimenti per lei. Lei percepisce l’amore di Dodgson con la sensibilità di una donna e, nonostante siano una ragazzina, rimangono vicini e si impegnano abilmente in un gioco romantico. Il film descrive splendidamente la crudeltà della donna che gioca con il profondo amore di Dodgson, contrapponendola all’anziana Alice, che comprende la vita. Il momento culminante, in cui l’anziana Alice si rende conto della grandezza dell’amore che il signor Dodgson le ha donato riflettendo sulla sua infanzia e tenendo un discorso all’università, è una scena profondamente commovente e memorabile. Questo perché esiste un grande amore che trascende i generi di “uomo” e “donna”. Tuttavia, la scena finale rivela che il tema del film non si limita a questo tipo di amore. La spiaggia fantastica della scena iniziale riappare e la giovane Alice interroga i due mostri. “Vi ho fatto del male?” “No, non l’ho fatto”, risponde il mostro Grifone, dirigendo lo sguardo verso un angolo della spiaggia. Lì, accovacciato, c’è il Professor Dodgson. Si alza lentamente, rivelando il volto, nascosto dalle mani. Il suo volto sorride dolcemente e sorride ad Alice. ”È solo la sua immaginazione”, dice il Grifone. Poiché la maggior parte dei sentimenti dell’uomo per la ragazza sono solo sue illusioni, Alice non deve sentirsi troppo in colpa per non ricambiare l’amore di Dodgson. È qui che la duplice struttura del film, tra realtà e fantasia, diventa chiara. I sentimenti degli uomini per belle ragazze o donne sono spesso amplificati da illusioni come questa. Forse è per questo che i film fantasy presentano così tante ragazze. Nella vita reale, gli uomini corteggiano le donne per vari motivi, come la riproduzione, il piacere sessuale o come compagna che li aiuti nella vita. Tuttavia, nella loro mente, sembrano costantemente alla ricerca della donna ideale dei loro sogni. C’è un film intitolato “Galaxyna” con la playmate di Playboy Dorothy Stratton . I titoli di testa mostrano un testo che fluttua nello spazio in uno stile che ricorda Star Wars, seguito dal titolo Galaxyna, scansionato in uno stile che ricorda Superman. Quando il titolo svanisce, la telecamera inquadra l’astronave, come in 2001: Odissea nello spazio . Durante la scena in cui appare il capitano dell’astronave, viene riprodotto il tema principale di 2001: Odissea nello spazio, “Così parlò Zarathustra” di Richard Strauss. È un’esilarante parodia di un film di serie B, ma raffigura un tipo di “donna dei sogni” per l’uomo. Si tratta di Galaxyna, un robot di lusso interpretato dalla playmate di Playboy Dorothy Stratton. Dorothy, nominata “Playmate dell’anno” dalla rivista Playboy nel 1980, ha una bellezza disumana (da bambola) che si adatta perfettamente al ruolo di un bellissimo robot. Galaxyna, un robot dalla bellezza senza tempo, incarna davvero la bellezza ideale di un uomo. All’inizio, questa bellezza robotica, Galaxyna, si muove a scatti, emette inquietanti rumori meccanici quando parla e sprigiona scintille quando l’uomo la tocca. Tuttavia, una volta che l’uomo si innamora di lei, lei compie sforzi instancabili per essere all’altezza delle sue aspettative, come regolare la propria temperatura corporea e programmare il proprio cervello computerizzato per parlare con una voce meravigliosa. Galaxyna si dedica in modo disinteressato al lavoro e all’amore dell’uomo, arrivando persino a viaggiare da sola in un pericoloso ristorante su un pianeta remoto infestato da alieni che mangiano cibo umano per trovare il misterioso minerale Blue Star che l’uomo desidera. E alla fine, il suo corpo sarà in grado di dare alla luce dei bambini.
Galaxy, comoda per gli uomini sotto ogni aspetto ed eternamente bella, è la definizione stessa di donna dei sogni. Tuttavia, questo è chiaramente il frutto delle illusioni maschili ed è irrealistico. La realtà è ancora più crudele e non permette alla donna dei sogni di un uomo di continuare a esistere per sempre.
Dorothy Stratton, che interpretava questa bellissima e onirica Galaxy, fu uccisa a colpi d’arma da fuoco. La notizia fu persino riportata sui giornali giapponesi, come articoli su una Playmate uccisa a colpi d’arma da fuoco dal marito. Questo incidente fu poi trasformato in un film: “Star 80”, diretto da Bob Fosse e interpretato da Mariel Hemingway, nipote del gigante letterario Ernest Hemingway . Il film fu un argomento di discussione all’epoca perché Mariel si sottopose persino a un intervento di mastoplastica additiva per interpretare il ruolo della Playmate Dorothy. Tuttavia, la Dorothy ritratta in questo film è proprio come Galaxy, una donna gentile e adorabile. Dopo aver visto “Star 80”, sono tornato a casa furioso con il marito di Dorothy, interpretato da Eric Roberts: “Idiota! Perché uccideresti un uomo così buono?”. Ho subito guardato “Galaxyna” in videocassetta . Lì, la bellissima Dorothy era viva e vegeta. Dorothy Stratton era diventata l’eterna bellezza di “Galaxyna, Dea dei Sogni”, inseguendo Blue Star fino ai confini della galassia. La realtà ha una fine e non tollera l’esistenza delle donne dei sogni. Tuttavia, le illusioni degli uomini su “Alice” non conoscono limiti, trascendendo il tempo e i confini. Ecco perché le donne dei sogni continuano a essere raffigurate in dipinti, film e letteratura (e, oh cielo, anche nei manga).
Parte 13: di “American Cinema Now” di aprile 1987, pag. 34-35
È passato un po’ di tempo dall’ultima volta che ho respirato l’aria americana. Ho trascorso sei giorni alle Hawaii per una pausa e quattro giorni a Los Angeles per lavoro. Mentre ero lì, ho potuto vedere quattro nuovi film americani, quindi vorrei presentarveli finché sono ancora freschi nella mia mente, intervallati dalle mie esperienze di viaggio.
Il primo è “La piccola bottega degli orrori “. È stato inserito da “Showbiz Today” per oltre sei mesi come uno dei “10 migliori successi al botteghino in America” e ha riscosso un successo incredibile. Un giovane diligente (interpretato da Rick Moranis, che ha interpretato il direttore in “Storie di fuoco”) lavora in un negozio di fiori in crisi . Una notte, compra un raro fiore in vaso da un misterioso cinese. Si scopre che è un fiore vampiro, che cresce all’infinito succhiando il sangue dal dito del giovane, finendo per divorare la sua amata, il proprietario del negozio e persino il suo cane. È una commedia horror leggera e dark. È spaventoso come la storia non sia particolarmente cruenta. “Quella cosa” non è un pazzo con una sega o un demone carnivoro, ma un “fiore” che non rappresenterebbe alcuna minaccia per l’umanità. Gli effetti speciali del “fiore parlante” sono sbalorditivi e l’atmosfera musicale generale è allegra. Le tre ragazze nere che narrano la storia sono divertenti, come le Supremes, e i dialoghi, pieni di giochi di parole, sono pieni di risate e divertimento… (Frustrantemente, ho capito solo metà delle battute.) Eppure , questo tipo di storie è comune. “Presti il tuo spazio a qualcuno, ma ti porta via la casa”. Il giovane continua a servire, “sacrificando il proprio sangue”, ma il “fiore” che serve non è grato; anzi, continua ad aumentare le sue richieste, pretendendo di più: “Dammi ancora! Ho fame!”. A me, in qualche modo sembra una paura latente che gli americani bianchi hanno nei confronti dei neri, ma sono sicuro che finirò nei guai per averlo detto. Il prossimo è Star Trek IV (da qui in poi denominato S.T.), un film incredibilmente divertente. La regia di Leonard Nimoy era pessima in Star Trek III , ma questo è fantastico. Gli effetti speciali della ILM sono eccellenti e la storia è avvincente. L’equipaggio di Star Trek ha un disperato bisogno di balene, estinte nel XX secolo, per salvare l’universo da una crisi, così si recano nella San Francisco dei giorni nostri per cacciarle. Qui, vediamo gli stessi fattori che hanno reso il film un successo come Ritorno al Futuro. Come spettatori, abbiamo già sperimentato i progressi nella scienza del futuro che l’equipaggio di Star Trek utilizza quotidianamente. Proviamo un certo senso di superiorità quando vediamo gli umani del XX secolo con cui interagiscono meravigliarsi della loro scarsa conoscenza della scienza del futuro. Al contrario, quando l’equipaggio di Star Trek arriva nel XX secolo e trova scomodi i sistemi sottosviluppati, diventiamo stranamente imbarazzati e diciamo: “Oh, non ci si può fare niente, ragazzi che siete abituati alla comodità”. Francamente, mi sono sempre chiesto perché la serie di S.T. fosse così popolare in America . Guardare il film insieme al pubblico americano e analizzare i momenti che li hanno fatti ridere a crepapelle ha finalmente risolto il mistero. È l’immensa popolarità della superstar della serie di S.T. , il signor Spock, in America. Si potrebbe dire che il signor Spock sia la forza trainante della popolarità della serie di S.T. in America. I Vulcaniani, impersonati da Spock, mancano di gioia, rabbia, tristezza e felicità e sono incapaci di “sentire” o “indovinare” nulla. Il trucco dell’alieno Spock sembra chiaramente una caricatura degli asiatici. Per le persone di origine anglosassone, germanica, latina e slava, comunemente definite “bianche”, gli asiatici sono probabilmente sempre percepiti come “esseri inquietanti che si rifiutano di esprimere i propri pensieri o sentimenti”. Forse credono persino che gli asiatici non possiedano nemmeno tali emozioni. Il tema ricorrente nel dialogo tra il signor Spock e il Capitano è “sentire/non sentire”, e questa è la scena che fa sempre ridere gli americani fino alle lacrime. “Mi dispiace, Capitano. Posso affermare i fatti, ma non so spiegare cose incerte come ‘sentire’ o ‘indovinare'”, dice il signor Spock all’inizio del film. Alla fine, tuttavia, risponde alla domanda del Capitano con “Sì, credo”. Il Capitano è deliziato e il pubblico scoppia a ridere. Poi Spock si ferma, riflettendo. “C’era qualcosa di strano in quello che ho detto?” risponde un membro dell’equipaggio. “No, il Capitano era contento”, e il pubblico scoppia di nuovo in lacrime. Forse si tratta di una battuta discriminatoria tipica dell’America, un paese con un mix razziale eterogeneo. Per i giapponesi che non capiscono questo, il dialogo del signor Spock non è affatto divertente e non contribuisce al fascino di S.T. Serie . Circa un anno fa, è uscito un film intitolato “Honor”, con Jack Nicholson . È stato un enorme successo negli Stati Uniti, ma non ha avuto molto successo in Giappone. Questo perché, come il film stesso, era una commedia di battute razziste che prendevano in giro la mafia italiana con un accento di Brooklyn difficile da capire in Giappone. L’attore nero Eddie Murphy ha approfittato di questo razzismo razziale americano ed è diventato subito una star. Le sue battute coinvolgono Eddie, un uomo di colore, che dice le stesse battute offensive che i bianchi dicono ai neri. Per i bianchi, questo è divertente perché sembra di essere oggetto di satira, e per i neri, è soddisfacente ed edificante perché Eddie dice le battute che normalmente vorrebbero dire ma non possono. Sono andato a vedere il nuovo film di Eddie Murphy , “The Golden Child”, a Westwood, accompagnato da John Bruno, il direttore degli effetti speciali di “Ghostbusters” e “Poltergeist 2”. John si è preso cura di me dalla mattina alla sera. (Il videonoleggio, la libreria di fantascienza e persino casa mia. Grazie, John.)
Nelle profondità delle montagne del Tibet, nasce un bambino dotato di poteri divini. Questo bambino è chiamato il Bambino d’Oro. Lo scopo del bambino è quello di guarire il caos del mondo, ma quando il diavolo lo scopre, rapisce il Bambino d’Oro nel tentativo di interferire. Eddie Murphy viene ingaggiato per cercare il Bambino d’Oro e la storia si svolge come una versione di “Indiana Jones ” di Eddie Murphy. Gli effetti speciali, l’avventura avvincente e la costante raffica di gag di Eddie rendono l’interpretazione grandiosa. Naturalmente, non mancano le solite battute razziste, come quando Eddie, un uomo di colore, abbraccia un nemico bianco e urla a gran voce “Fratello, mi dispiace” e “Tutti, è mio fratello”, confondendo sia il nemico che chi gli sta intorno. Proprio come in “Star Trek IV”, il pubblico americano adora questo tipo di gag. Uno degli amici di Ross è il musicista David Newman, che attualmente sta riscuotendo successo per le sue colonne sonore. Suo padre era Alfred Newman, quattro volte vincitore del premio Oscar per la migliore colonna sonora originale (la statuetta dell’Oscar troneggia orgogliosamente all’ingresso della sua casa di Malibu Beach), e il cantante Randy Newman era suo cugino. Sono stato invitato a un’anteprima dei produttori per il film horror “Kindred”, per il quale David ha composto la musica . La proiezione si è tenuta presso l’esclusiva sala proiezioni della Writers Guild of America, in una zona residenziale di Beverly Hills. Pur essendo una sala per l’anteprima, era grande e imponente come un cinema giapponese, e molti membri dello staff del film erano in abiti formali, spesso in smoking o abiti eleganti. All’inizio del film e ai titoli di coda, tutti i soggetti coinvolti hanno esclamato applausi a ogni nome annunciato. Naturalmente, ho fatto un gran parlare quando è stato menzionato il compositore, David Newman. La storia del film ruota attorno a un giovane la cui madre, una scienziata di ingegneria genetica, muore e si trasferisce nella casa dove lui e i suoi amici si ritrovano nelle grinfie di un mostro. Il mostro, una creatura neonata creata dalla madre del protagonista estraendone i geni subito dopo la nascita, era inquietante come un alieno. Il film in sé era mediocre, ma ogni volta che le braccia del mostro si allungavano, gli organi di un attore volavano via, una casa bruciava o una scena cambiava, si sentivano delle urla. Le voci forti dello staff del film si sentivano in tutto il cinema, mentre dicevano cose come: “È stato Kenny!”, “Quel giorno faceva così freddo che mi sono preso un raffreddore!” e “Qualcuno si nasconde dietro quell’albero e lo controlla”. Era un’esperienza incredibile, piena di energia ed eccitazione, come guardare “The Rocky Horror Picture Show”, dove il film e il pubblico diventavano una cosa sola . È stata un’esperienza gioiosa. Mi ha fatto capire che i film di Hollywood hanno un tale potere perché sono presentati con tanto entusiasmo dallo staff.
Parte 14: “Il genio del dramma in una stanza chiusa: Sidney Lumet” Numero di maggio 1987, pp. 164-165
Sebbene il suo stile sia modesto, Sidney Lumet è uno dei miei registi più stimati. Di recente ho avuto la possibilità di vedere il suo ultimo film, “The Morning After”,
quindi vorrei discutere del fascino del suo lavoro. Sono rimasto profondamente colpito quando ho visto il debutto alla regia di Lumet, “La parola ai giurati”. Ciò che mi ha colpito è stato il modo in cui la maggior parte delle sequenze inquadrate durante la storia è ambientata nella “stanza chiusa” della giuria, e il dramma si dipana attraverso le discussioni dei personaggi.
Un ragazzo viene processato per omicidio. Vengono presentate diverse prove circostanziali, ma non ci sono prove definitive. Dodici uomini, tra cui Henry Fonda, sono riuniti in una stanza come giurati per emettere il verdetto. Il ragazzo è un noto delinquente e le circostanze sono estremamente sfavorevoli, con la maggior parte che chiede la pena di morte.
La storia è ambientata nell’America degli anni ’50. Sebbene il Paese stesse finalmente iniziando a riprendersi economicamente dal caos della guerra, la sala della giuria all’epoca non aveva aria condizionata, sedie comode e nemmeno una macchina per il caffè. Era scarsamente illuminata, soffocante e umida, con un ventilatore che sferragliava.
In quell’atmosfera da “stanza chiusa”, gli uomini mettevano a nudo il proprio ego in nome dell’opinione pubblica, a volte urlandosi contro come per sfogare le proprie frustrazioni. Nel frattempo, Henry Fonda, erodendo una a una le prove circostanziali, aumentò il numero di persone che sostenevano la posizione “innocente”, aprendo persino il cuore dell’uomo che ostinatamente aveva invocato la “morte!” fino alla fine, portando infine all’assoluzione. Sono rimasto profondamente colpito dalla meticolosa composizione e dalla brillante regia di Sidney Lumet, che è riuscito a creare un film da una “discussione a porte chiuse”.
Ciò che è degno di nota qui è che Lumet getta uno sguardo affettuoso sul sospettato, un ragazzo “debole”, emarginato e trattato come la feccia della società, pur riconoscendo la posizione fragile e la debolezza emotiva dei membri della società che lo escludono. In quest’opera, Lumet solleva interrogativi sul fatto che “gli esseri umani giudichino altri esseri umani”. Evidenziando le personalità e le vite dei personaggi attraverso i loro dialoghi nella “stanza chiusa” della giuria, il film amplia il suo raggio d’azione includendo i problemi che affliggono la società in cui vivono e, in ultima analisi, la nazione americana. Lumet ritrae il “mondo” dipingendo l'”individuo”.
Questo regista ha anche creato capolavori di film gialli ambientati nello spazio ristretto di una “stanza chiusa”. Ho sempre considerato ” Assassinio sull’Orient Express” il migliore tra i tanti adattamenti cinematografici delle opere di Agatha Christie.
Un omicidio avviene su un treno di lusso diretto a Londra da Istanbul e il famoso detective Hercule Poirot, che si trova a bordo, si propone di risolvere il caso.
Tra i passeggeri ci sono una ricca signora anziana (Lauren Bacall), un veterano (Sean Connery, che non ha alcuna qualità alla Bond) e una campagnola un po’ ottusa (Ingrid Bergman). Ogni personaggio e attore ha le sue peculiarità, ma Lumet riesce a dar vita a ogni personaggio sfruttando al contempo tutti i suoi attori allo stesso alto potenziale. Questo regista è davvero un genio quando si tratta di usare i suoi attori.
Albert Finney interpreta Poirot in questo film, e la sua abile recitazione lo rende incredibilmente credibile. Forse il suo atteggiamento pulito contribuisce al finale compassionevole. Peter Ustinov sarebbe sembrato più condiscendente.
Non importa quanto lussuoso sia il viaggio in treno tra Istanbul e Londra, uno di quelli su cui non si vorrebbe trascorrere troppo tempo, è reso incredibilmente piacevole dalla superba regia e dalla meticolosa composizione di Lumet. Uno dei suoi temi ricorrenti è la ribellione all’autorità. Il successo del suo film d’esordio, “The Twelve…”, gli è valso la reputazione di “attivista sociale newyorkese” e “anti-establishment”. I protagonisti, che avvertono le contraddizioni delle convenzioni sociali nel mondo legale di “The Verdict “, nel mondo dei media di “Netlark ” e nel mondo finanziario di ” Dog Day Afternoon”, lottano e lottano nonostante le battute d’arresto. Forse questo riflette il desiderio di Lumet di rimanere “individui”, vivendo secondo i propri valori, senza essere succubi di nulla. Tuttavia
, anche questo genio aveva una debolezza. Forse la sua eccessiva attenzione all’atmosfera “individuale” e da “stanza chiusa” ha portato a una produzione cupa e noiosa di “The Wiz”, un musical fantasy che richiede luminosità incondizionata, gioia sfrenata e spazialità espansiva .
Tuttavia, l’ultimo film di Jane Fonda, “The Morning After”, è un dramma “da stanza chiusa” ben fatto.
Alex, un’alcolizzata che perde conoscenza quando beve, si sveglia una mattina e trova il cadavere di un uomo accanto a sé. Non riesce a ricordare cosa sia successo la notte prima. Temendo di essere la colpevole, decide di distruggere le prove. Tuttavia, finisce sulla lista dei ricercati e viene inseguita.
Jane Fonda, la cui presenza è evidente anche quando è lì, interpreta brillantemente la protagonista inaffidabile, la cui unica motivazione nella vita è il suo passato da attrice. I suoi capelli tinti biondo platino, il trucco pesante e l’atteggiamento compiaciuto evidenziano il coraggio della protagonista quando si riprende alla fine della storia. La persona che aiuta Alex a riprendersi è Turner, un uomo che ha perso il lavoro come agente di polizia a causa dei suoi dieci anni di alcolismo ed è un fallito nella vita.
Questa storia presenta quattro “stanze chiuse a chiave”: “la stanza di Alex”, “la casa del fotografo losco assassinato”, “la casa del misterioso Turner” e “il salone di bellezza gestito dal marito di Alex”. Questi “punti” sono collegati da “linee” come “l’auto di Turner”, “il telefono” e “il programma televisivo” che si illumina nella stanza. Queste “linee” sono anche importanti “stanze chiuse a chiave” che permettono ai personaggi di parlare del loro passato e della loro personalità.
A proposito, ho un rapporto profondo e indissolubile con la “stanza chiusa”. Sembra che un mangaka sia destinato a vivere nella “stanza chiusa” che è il suo posto di lavoro. E oggi, nella mia “stanza chiusa”, innumerevoli eroi combattono feroci battaglie contro cattivi e mostri, e splendide bellezze si contorcono in modo seducente.
Parte 15: di “Australian Rhythm” giugno 1987 P164-165
L’altro giorno, al cinema, ho assistito a uno spettacolo interessante. Proprio mentre il film stava per iniziare, un signore anziano seduto di fronte a me ha improvvisamente iniziato a tremare violentemente. Forse a causa dei postumi di una malattia, la sua mano sinistra tremava in modo incontrollabile. Nel tentativo di soffocare il tremore, anche la sua mano destra, che aveva appoggiato sulla sinistra, ha iniziato a tremare. Poi ha cercato di infilare la mano sinistra tra le gambe incrociate, ma di conseguenza tutto il suo corpo ha iniziato a tremare violentemente.
Distratto dalla farsa che lo circondava, si è perso i primi cinque minuti del film. Tuttavia, quando il film ha iniziato a farsi interessante, il tremore del signore si è interrotto immediatamente. Sono stato felice di scoprire che un buon film possa avere un effetto simile anche su una malattia. Guardare Crocodile Dundee mi ha fatto riflettere sulla recente popolarità dei film australiani. ”Fantasy ma realistico” è un aspetto che mi ha sempre colpito del cinema australiano. Credo che il motivo per cui noi, il pubblico, ci lasciamo facilmente coinvolgere dalla storia di “Crocodile Dundee”, troviamo simpatici i personaggi e ci immedesimiamo facilmente in loro, sia dovuto al carattere realistico dei tre sofferenti Dundee e alla macchina da presa di Russell Boyd ( “Picnic a Hanging Rock” ), che cattura i paesaggi australiani e newyorkesi così come sono, senza alcuna artificiosità.
Cresciuto tra gli aborigeni, Dundee è abbastanza forte da uccidere un coccodrillo con un solo coltello in natura, eppure preferisce il cibo in scatola alle piante e agli animali selvatici. È abbastanza colto da conoscere le serie TV “Lucy” e “Tarzan”. È un gentiluomo educato con le donne, abbastanza coscienzioso da rispettare gli altri gruppi etnici e le loro usanze, e un mistico che può ipnotizzare gli animali selvatici. Questa caratterizzazione apparentemente irrealistica del protagonista in qualche modo sembra così reale, ed è
ciò che rende i film australiani così affascinanti. Il motivo per cui questo personaggio sembra così reale è perché la sua fisiologia e la sua progressione emotiva sono naturali. È positivo che la recitazione non sia eccessivamente esagerata, nonostante si tratti di una commedia. Che si tratti della natura selvaggia australiana o del trambusto di New York, il fascino del film è esaltato dal realismo della situazione.
Quando Dundee scopre che la protagonista, Sue, ha un fidanzato, va a bere in un vicolo di New York. La sua interpretazione naturale e disinvolta della sua tristezza e del suo dolore è stata impressionante. Quando si tratta di recitazione, tendo sempre a irrigidire le spalle, a roteare gli occhi e a recitare come un attore kabuki. Vorrei che gli attori di altri paesi cercassero di essere più naturali nella loro recitazione. Parlando di registi australiani, quello che mi ha colpito di più è stato George Miller. È anche abile nel conferire realismo alle sue storie, ritraendo meticolosamente le emozioni umane (fisiologia). Prendiamo, ad esempio, il quarto episodio della versione cinematografica di “Ai confini della realtà “. Parla di un uomo che ha paura di volare. Riguarda lo spazio ristretto di un aereo, le voci irritanti dei bambini, la frustrazione di dover affidare la propria vita agli altri, la sua sfiducia nel volare a bordo di una macchina, il tuono snervante e il sudore che gli scorre lungo il corpo. La “fisiologia” della paura porta infine l’uomo a vedere “l’immagine di un demone che distrugge un aereo”.
I suoi tre film di successo “Mad Max” sono i miei preferiti in assoluto.
Il protagonista si trova su un’autostrada spazzata dal vento. Sente la rabbia per la morte della persona amata, il dolore e il peso della sua gamba crivellata di proiettili. Il suo istinto di sopravvivenza mentre lotta per la benzina nella natura arida e selvaggia, il suo viso che si contrae al freddo. La sua gentilezza, incapace di ignorare il cuore innocente che lo desidera. La storia descrive attentamente gli aspetti emotivi (fisiologici) degli esseri umani, così accuratamente che si possono praticamente sentire i battiti cardiaci e il respiro dei personaggi, dal protagonista ai personaggi secondari. Nonostante l’ambientazione fantastica, ti fa sentire come se qualcosa del genere potesse realmente accadere. Credo che questo realismo sia ciò che lo distingue dai film d’azione hollywoodiani (anche se Hollywood ultimamente sta producendo sempre più film di questo tipo).
Con il suo protagonista supereroe e la sua storia incentrata sulle feroci battaglie tra persone in situazioni estreme, “Mad Max” viene spesso paragonato al mio “Violent Jack”. Di recente, alcuni ignoranti mi hanno persino suggerito di copiarli, il che mi fa arrabbiare. In realtà ho iniziato a disegnare “Violent Jack” più di 15 anni fa! (Pfft!) A proposito, ho incontrato e parlato con Mel Gibson, il personaggio di Mad Max, qualche anno fa. Sorprendentemente, completamente diverso dall’immagine dura come l’acciaio che ritrae nel film, era un giovane tranquillo, ingenuo e bonario, non particolarmente alto, con i capelli chiari, quasi biondi, che rispondeva alle domande a bassa voce, ponderando attentamente le sue azioni. È rimasto incredibilmente commosso quando gli ho dato la mia illustrazione dal programma del primo film. Ho già scritto di “Picnic a Hanging Rock” , ma quando si parla di cinema australiano, è impossibile menzionare il lavoro del regista Peter Weir. Nelle sue mani, qualsiasi bugia sembra vera. Analizza le situazioni in cui si trovano i personaggi in modo così brillante e le ritrae con tanta cura che qualsiasi ambientazione o dramma assume un senso di autenticità. ” Dangerous Years” è un ritratto in stile documentario dei disordini politici in Indonesia nell’anno che precedette la caduta di Sukarno, fedele ai fatti . “Witness” è un’opera di successo che si concentra sulla vita degli Amish che, lontani dalla società civile, vivono ancora in America come nel XVIII secolo . “The Vow” è ambientato in Australia durante la Prima Guerra Mondiale e sul leggendario fronte di Gallipoli dell’esercito australiano . In ciascuna delle sue opere, descrive le situazioni che formano l’ordito della storia in modo così vivido che i drammi che si dipanano come trama, come l’amore tra un uomo e una donna, l’amicizia tra uomini e l’amore assoluto per un grande uomo, hanno anch’essi un senso di realtà. Anche la serie TV “Plummer” (un idraulico) che ho visto in video di recente è stata interessante . La tranquilla vita quotidiana di una sensibile casalinga viene sconvolta dall’arrivo di un giovane idraulico che “ripara il bagno”. Il comportamento dell’uomo porta la casalinga a sospettare che possa essere un assassino, e la storia si sviluppa verso una conclusione inaspettata. Quest’opera descrive in modo avvincente, con un tocco di mistero, come l’accumulo di piccoli e spiacevoli eventi quotidiani (situazioni) possa portare una persona a un angolo di squilibrio mentale.
Parte 16: “La notte in cui andai in guerra” numero di luglio 1987 P164-165
Simon & Garfunkel, il leggendario duo noto soprattutto per la sigla del film “Il Laureato”, pubblicarono un brano sconvolgente in un album uscito oltre 20 anni fa. Il brano vedeva il duo cantare il famoso inno “Silent Night”. Dietro le voci sacre che intonavano “Silent Night, the stars shine bright…”, un notiziario radiofonico ripeteva ripetutamente: “I combattimenti di oggi vicino al confine con la Cambogia hanno causato 72 morti e 543 feriti. 284 nemici uccisi e 62 prigionieri…”. Sembrava simboleggiare la duplice natura dell’umanità, unendo voci che elogiavano un mondo pacifico con freddi resoconti di massacri umani (che riportavano i risultati della guerra del Vietnam). Infatti, in Giappone all’epoca, questo tipo di notizie si sentiva quotidianamente su FEN. La scena iniziale del chiacchieratissimo film sulla guerra del Vietnam “Platoon”,
che vidi in un’anteprima speciale, mi ha ricordato quella canzone. Il protagonista, Taylor (Charlie Sheen), un giovane soldato che si arruola volontario per cavalleria, atterra su un polveroso e caldo aeroporto in Vietnam. La sua prima vista sul campo di battaglia è una fila di cadaveri che vengono rispediti negli Stati Uniti su un aereo da trasporto al suo posto. I corpi, disordinatamente allineati, rendono Sheen consapevole della morte e suscitano in lui la paura di un nemico che non ha ancora visto. “Wow!” È un film incredibile! Ops, ho anticipato subito la conclusione. Una volta iniziata questa scena iniziale, “Platoon” ci tiene con il fiato sospeso, così tesi ed emozionanti che riusciamo a malapena a respirare, lasciandoci profondamente commossi dopo averlo visto. Sarebbe più corretto dire che questo film ci permette di “vivere la guerra del Vietnam”, ci fa fermamente decidere di non andare mai più in guerra, che la guerra non deve mai essere iniziata e ci fa sentire grati di essere vivi. Perché ci tocca così profondamente? Ciò che distingue questo film dai precedenti film spettacolari di guerra è che si tratta di un film di guerra in prima persona, narrato interamente dal protagonista, e ogni scena raffigura solo ciò che il protagonista vede e sperimenta in quel momento. È la nostra prima notte da fanti e siamo sorpresi da un acquazzone torrenziale mentre tendiamo un’imboscata al nemico. “Ho sonno, sono bagnato e mi sento male”. Le formiche della giungla ci mordono il collo e le sanguisughe ci succhiano il sangue. I nostri commilitoni ci urlano: “Siete stupidi, inutili e un peso!”. “Perché devo essere qui?”. Avvertiamo un movimento all’ombra di un albero. “E se fossero il nemico? Ho paura. Voglio scappare”. Improvvisamente, scintille esplodono nell’oscurità, si sentono i rumori assordanti delle mitragliatrici e delle granate, e i nostri compagni, che fino a quel momento avevano urlato, giacciono improvvisamente morti, coperti di sangue. Gli ordini dei nostri superiori e il rumore dei proiettili echeggiano sopra di noi. “Non riesco a vedere il nemico. Non so più chi sto combattendo, né cosa è bene e cosa è male. Non ci sono quasi scene oggettive in questo film. Non c’è alcuna spiegazione delle ragioni della guerra, dei suoi pro e contro, dei campi di battaglia su una mappa o della portata dei combattimenti. Non ci sono riprese dall’alto di bombardamenti amici o nemici. Tuttavia, il film è semplicemente una rappresentazione del “combattimento” che gli esseri umani affrontano, e dell’amicizia, della gelosia e della paura delle persone poste nelle condizioni estreme del campo di battaglia, attraverso gli occhi soggettivi di un uomo che ha vissuto la guerra, e non c’è una conclusione o un messaggio chiaro. Pertanto, si può dire che il tema di questo film è lasciato allo spettatore. Sta allo spettatore interpretare questo film come preferisce. Questo è ciò che lo rende diverso dai precedenti film sulla guerra del Vietnam, come “Dear Hunter”. Questa è una grande differenza rispetto a “Apocalypse Now” e “Apocalypse Now”. regia è semplicemente superba. Non c’è assolutamente spreco di tempo. È così divertente che non riesci a staccare gli occhi dallo schermo nemmeno per un istante. Nonostante l’argomento serio, Oliver Stone è riuscito a creare un film estremamente avvincente che chiunque può apprezzare grazie ai personaggi interessanti e alle scene di battaglia ricche di azione. Penso che sia un regista di prim’ordine. (Mmm, sono impressionato.) Il protagonista, Taylor, è diviso tra lo spietato sergente Barnes (Tom Berenger), che commette ripetutamente omicidi spietati, e il sergente Elias (Willem Dafoe), che simboleggia la coscienza umana. Dice: “Mi sento come se fossi il loro figlio”. Il contrasto tra i loro personaggi è affascinante e le capacità recitative degli attori sono impressionanti. Charlie Sheen, il protagonista, è il terzo figlio di Martin Sheen di “Apocalypse Now”. Ma quanti anni ha “Papà” Sheen, considerando che ha un figlio così adulto? Willem Dafoe ha brillato come cattivo fin dai tempi di “Strade di fuoco” e “Dog Town “. Ma in questo film, interpreta un vero e proprio Il bravo ragazzo, ed è un grande successo. Sono rimasto scioccato come quando Richard Widmark è passato dal ruolo del cattivo a quello del buono. L’anteprima è finita, e io tremavo ancora per lo shock della guerra che avevo vissuto nel film e per l’impatto emotivo del dramma umano. Poi, guarda caso, il sergente Elias è apparso sul palco! “Wow, è stato fantastico! È tornato sano e salvo da un campo di battaglia così terribile!” Che uomo forte!” Non ho potuto fare a meno di versare lacrime alla vista di Willem Dafoe che volava dall’America, volava direttamente da Narita alla location e tornava a casa la mattina dopo solo per salutarlo a questa speciale anteprima. Naturalmente, ero una sua grande fan alla festa che seguì. Era ancora più bello ed educato di quanto apparisse sullo schermo. Mi guardò negli occhi mentre gli parlavo, rispose educatamente alle mie domande e accettò volentieri di firmare autografi. Rimasi davvero colpito dalla sua personalità. Ci stringemmo la mano e la sua stretta era incredibilmente forte! Secondo l’opuscolo, il cast si sottopose a due settimane di addestramento al combattimento sul campo prima dell’inizio delle riprese e, mentre i suoi colleghi erano esausti, Willem Dafoe fu l’unico a proseguire con gioia. Quella sera, stranamente mi ritrovai convinto che “Sì, doveva essere tornato sano e salvo dalla vera guerra del Vietnam”.
Parte 17: “Nostalgidai” numero di agosto 1987 P132-133
Sembra che gli esseri umani inizino a rimpiangere il passato quando raggiungono una certa età. Persino io, che mi piace pensare di essere giovane per sempre, non faccio eccezione. Quando ho ricevuto un invito a una riunione da una mia compagna di liceo, la leader della compagnia Dongaraza, mi sono improvvisamente sentita nostalgica e felice, e ho deciso di partecipare. (Dongaraza è una compagnia teatrale per bambini che usa bambole di peluche gestita dalla mia compagnia, Dynamic Planning.) Ho frequentato
la Tokyo Metropolitan Itabashi High School, dove mi sono iscritta nel 1961, tre anni prima delle Olimpiadi di Tokyo. La scuola aveva un campo polveroso di colore rosso-marrone e un edificio scolastico in legno che sembrava sul punto di crollare da un momento all’altro. Era mista quando ci andai, ma forse a causa della sua storia come scuola femminile, c’erano molte ragazze eleganti e signorili, e me ne innamorai subito. Tuttavia, c’erano anche alcune studentesse dell’ultimo anno che mi intimidivano. Un ragazzo di due anni più grande di me, un membro scuro di pelle del club di rugby, si comportava spesso come uno studente dell’ultimo anno e si lamentava dell’abbigliamento delle matricole. Mi urlava contro: “Hai i bottoni slacciati!”. Quel ragazzo sarebbe poi diventato l’attore Furuya Ikko.
Murano Takenori, il conduttore di Friday Eleven, era nella classe accanto. C’erano molti altri personaggi unici che mi hanno ispirato per il manga (come Mosa di “Sugoi no Ou Densetsu”).
Andai alla riunione pensando: “Forse ci sarà qualcuno per cui ho avuto una cotta”. Rimasi scioccato dall’enorme distanza che avevano creato più di vent’anni. La mia compagna più giovane era calva! (Il disastro nucleare di Chernobyl ha colpito anche il Giappone?)
Ero nel club di ginnastica al liceo. (All’epoca, volevo diventare una ninja, ispirata dal manga di Sanpei Shirato.) Le ragazze del club di ginnastica avevano corpi piccoli e snelli che danzavano con grazia come cigni sulla trave. E invece…?! Si è trasformata in una vecchia cicciona che ride a crepapelle! (Eeeek)
Quindi, avendo appena vissuto questa esperienza, “Peggy Sue si è sposata” di Francis Ford Coppola mi è sembrato completamente irreale
. Perché le liceali diciottenni hanno una vita così flaccida? Perché hanno così tanto grasso sotto le ascelle e sotto le braccia? Perché sia gli uomini che le donne si muovono così lentamente? Le diciottenni dovrebbero brillare di più! In questo film, anche se la protagonista viaggia indietro nel tempo di 25 anni, né la protagonista né gli altri studenti delle superiori intorno a lei sembrano più giovani, sono senza vita e stanchi della vita. Tornare a una gioventù “da batticuore” piena di “vecchietti esperti” che oziano sarebbe inquietante, e non voglio tornare a quel periodo!
Mi chiedo perché il regista Coppola non abbia scelto attori più giovani. Non importa quanto sia brava la recitazione di Katherine Turner, non sembra davvero giovane.
Gli esseri umani nutrono un’infinita nostalgia per il passato proprio a causa del divario tra il nostro aspetto giovanile, la bellezza e l’agilità di movimento tra il nostro presente “giovane” e quello “vecchio”. Tutti si considerano “belli nel passato”. È proprio perché il divario è così grande che il “tempo” è così crudele. È straziante quando il “cigno magro” diventa “grasso, eh, eh…” (Whhhh!). In questo senso, “Ritorno al futuro” mette in scena con successo questo divario temporale . Nel presente, la madre, esausta dalla vita, torna ai suoi giorni di liceo di 30 anni prima, dove è una ragazza carina e vivace che lancia un feroce attacco al protagonista, il suo futuro figlio. Lo scienziato che ha inventato la macchina del tempo è un giovane scienziato coraggioso, e gli adolescenti che li circondano sono pieni di energia e curiosità giovanile, pieni di vitalità e vivacità. (Sì, mi piacerebbe tornare a quel periodo.) Invece di ringiovanire le persone anziane, è più naturale e realistico usare il trucco per far invecchiare i giovani attori. Sebbene non trascenda il tempo come questi due film, Stand by Me – Ricordo di un’estate, basato su un romanzo di Stephen King e diretto da Rob Reiner, descrive vividamente le avventure di un’infanzia nostalgica . Fino alla fine non riuscivo a credere che il personaggio dell’ingenuo e bellissimo attore bambino Wil Wheaton, Gordy, rappresentasse l’infanzia dello scrittore horror Stephen King, ma il successo di questo film è dovuto al fatto che descrive il mondo dalla prospettiva del ragazzo, simile a “Ritorno al futuro”, piuttosto che il “mondo della giovinezza” visto attraverso gli occhi degli adulti, come in “Peggy Sue…”. Questo permette al pubblico di godersi il film dalla prospettiva dei ragazzi e, forse, di immergersi nella nostalgia ripensando alla propria infanzia.
Parte 18: “My Animemory” numero di settembre 1987 P164-165
Il primo film d’animazione che abbia mai visto è stato “Bambi”, prodotto da Walt Disney, il re di Disneyland . Intorno al 1949 o al 1950, la mia classe dell’asilo mi portò a vederlo.
Purtroppo, quel giorno pioveva. Ricordo di essermi messo in fila con riluttanza con altri bambini dell’asilo, con gli ombrelli in mano, davanti a un vecchio cinema in una cittadina rurale (Wajima City, Prefettura di Ishikawa).
La televisione non esisteva ancora (probabilmente non potete immaginarlo, ma c’è stato un tempo simile) e c’erano solo pochi cinema in città. La mia unica esperienza erano i film western in bianco e nero (come “Tarzan” di Johnny Weissmuller ), quindi rimasi incredibilmente sorpreso nel vedere un film d’animazione: “bellissimi cartoni animati a colori in movimento”. All’epoca non avrei mai immaginato che un giorno mi sarei occupato di animazione. Fissavo semplicemente lo schermo rapito.
Grazie a questo , ricordo ancora vividamente ogni scena di “Bambi ” ( l’unica volta che l’ho visto). La seconda volta che vidi un film d’animazione fu dopo essermi trasferito a Tokyo (nell’estate del 1952, quando ero in prima elementare), ed era anche questo un film Disney (un cortometraggio di Topolino o Pippo). A quei tempi, proiettavano sempre un “cinegiornale” (evviva, probabilmente non l’avete mai visto prima) prima del lungometraggio principale, e a volte aggiungevano anche qualche cortometraggio animato, cosa che mi piaceva molto. Vedere un’animazione Disney a colori prima di un film giapponese in bianco e nero aveva un impatto notevole, e spesso mi colpiva più del lungometraggio principale. Più o meno nello stesso periodo, c’era un “cinema di notizie” specializzato nella proiezione di notiziari e cortometraggi animati. Abitavo vicino alla stazione di Otsuka, sulla linea ferroviaria nazionale, e andavo a piedi al cinema “News Bunka” nella vicina città di Ikebukuro, stringendo la moneta da 10 yen di mio figlio, per vedere il film. Per un bambino delle prime classi delle elementari, la distanza da Otsuka a Ikebukuro era spaventosa, e dovevo combattere la paura di perdermi mentre guardavo gli anime. Non mi sarei mai aspettato di vivere in un’epoca come quella odierna, in cui possiamo guardare gli anime in TV ogni giorno! Il primo lungometraggio d’animazione giapponese, “La leggenda del serpente bianco” (prodotto da Toei Animation), uscì quando frequentavo il primo anno di scuola media. Ero a corto di soldi, così invitai gentilmente mio fratello di tre anni più piccolo a vedere un bel film d’animazione. Quando andammo al cinema a Ikebukuro, gli strappai la paghetta dicendo: “Beh, te l’ho portato io, quindi paga tu!” (Mio fratello mi porta ancora rancore per questo). Beh, ecco quanto desideravo guardare gli anime. Il mio interesse per gli anime iniziò qualche anno dopo essere diventato un mangaka, più o meno nel periodo in cui il clamore attorno all ‘”Harenchi Gakuen” (di cui probabilmente siete a conoscenza, vero?) si era finalmente placato. All’epoca, la Kodansha aveva una rivista chiamata “Bokura Magazine”. Grazie all’enorme successo di “Harenchi Gakuen “, ogni rivista fu inondata di richieste di manga comici osceni. “Quello che voglio davvero scrivere è una storia di fantascienza…” gridava la mia anima in mezzo alle mie gag, quando il caporedattore di “Bokura Magazine” mi disse: “Vai avanti e fai ciò che ami”. Ero entusiasta. Inizialmente, pensai: “Voglio scrivere un grande personaggio!”. Probabilmente fu una reazione al fatto che fino ad allora avevo scritto solo piccoli personaggi comici. “Scriviamo un mostro ancora più grande di Godzilla! Ma un semplice mostro non sarebbe una novità, quindi rendiamolo un demone e, allo stesso tempo, rendiamolo un gigantesco re demone!”. E così nacque “Demon King Dante” . “Trasformiamo questo personaggio demone in un anime”, disse il signor M, un produttore della Toei Animation. Tuttavia, disse: “È troppo mostruoso, quindi abbiamo bisogno che sia un po’ più eroico”. Dopo diverse riscritture, il re dei demoni divenne gradualmente più umano, fino a diventare una creatura a metà strada tra un demone e un umano, e così nacque “Devilman”. Questa fu la mia prima opera animata, e fu trasmessa come serie TV. Ora, 15 anni dopo, sono di nuovo coinvolto nell’animazione di Devilman . Questa volta, si tratta della popolare versione in video animazione. Il precedente Devilman era stato prodotto tenendo conto di molti vincoli tipici della TV, ma questa volta il mio obiettivo è creare un Devilman animato il più vicino possibile al mio manga (il che significa che è pieno di scene brutali, personaggi più demoniaci che eroici e, naturalmente, Asuka Ryo). Finora, ho lasciato che fosse la casa di animazione a occuparsene. Questa volta, però, sono stato fortemente coinvolto. Ho scritto la trama, sono rimasto sveglio tutta la notte con il regista mentre tagliava gli storyboard per trasmettere la mia visione e ho implorato con insistenza il direttore dell’animazione di rivedere il design dei personaggi. (È stata colpa mia? O è stata la maledizione del diavolo? Il direttore dell’animazione Komatsubara è stato ricoverato in ospedale per ulcere gastriche. Mi dispiace.) Fortunatamente, ho trovato un regista di grande talento che è un fan di Devilman, e sono stato benedetto con uno staff di animazione di prim’ordine, quindi sembra che il prodotto finito sarà proprio come speravo. A pensarci bene, sono passati quasi 40 anni dalla mia prima esperienza con gli anime, quando mi sono messo in coda sotto la pioggia, e ora sono finalmente riuscito a creare un anime che è veramente mio. (Ottimo lavoro!) (Per favore, guardate!) (Per favore!)
Parte 19: “Devil Jel Heart” numero di ottobre 1987 P132-133
L’altro giorno, abbiamo avuto la presentazione della produzione per la versione anime video di “Devilman”, che ho spudoratamente pubblicizzato nel numero del mese scorso . Fino a quel giorno – o meglio, fino a quando l’evento non è effettivamente iniziato alle 15:00 – non riuscivo a credere a quanto fossi preoccupato che tutto sarebbe andato liscio…! Dopotutto
, quando questo progetto di produzione video è iniziato, la prima cosa che l’intero staff si è riunito per discutere è stata la straordinaria impresa di decidere una data per una “rimozione degli spiriti maligni”. Tutti sapevano che mi ero divertito un mondo ogni volta che avevo usato demoni o diavoli come tema, quindi è passato un anno da allora: ho visitato il tempio Kishimojin a Iriya, Ueno, con un gruppo di 30 persone, tra cui dirigenti della Kodansha, la casa editrice, nonché dipendenti di società di animazione, registi e animatori. Ci siamo fatti leggere dei sutra e stringevamo tutti tra le mani amuleti “omamori”.
Lungo il percorso, il direttore dell’animazione Komatsubara perse il suo “portafortuna”, si sottopose a un intervento chirurgico per ulcere gastriche (dev’essere stato davvero duro) e, a quanto pare, strani fenomeni si verificarono frequentemente nelle stanze degli animatori. Tuttavia, grazie al duro lavoro e agli esorcismi dello staff, quel giorno era finalmente arrivato. Completamente soddisfatto del prodotto finito, lasciai la sala con la sensazione di “essere un autore originale” e mi diressi verso il parcheggio.
Poi… “Cosa c’è che non va?!?”. La mia auto, appena tornata dal controllo il giorno prima, perdeva acqua e olio della frizione! Chiamai la concessionaria e loro gemettero: “È impensabile. Ugh…” (Immagino che si sia trattato solo di un incidente, dopotutto). La mia auto fu tragicamente portata via, e mi ricomposi con il regista per andare a vedere “Angel Heart”, un film di Alan Parker che mi mancava da anni.
“È Satana?!”, urlavo tra me e me mentre guardavo il film “Angel Heart”. Sebbene la rappresentazione e il contenuto siano completamente diversi, guarda caso il tema stesso – gli angeli caduti – è lo stesso di “Devilman”, un film a cui avevo appena partecipato. Inoltre, il personaggio di Satana in “Devilman”, “Asuka Ryo” e il detective newyorkese Harry Angel (alias “Satana”), interpretato da Mickey Rourke, hanno persino ricordi simili. “Che coincidenza!”. Prima di vedere il film, avevo sentito dire che sarebbe stato difficile da capire per i giapponesi non cristiani. A giudicare dalle reazioni del pubblico intorno a me, sembrava che molti non lo capissero. Non sono particolarmente esperto di cristianesimo, ma grazie alla mia esperienza di scrittura di “Devilman”, sono riuscito a comprendere molto bene l’intento del film. Un giorno, il detective privato Harry riceve una richiesta da un gentiluomo di nome Louis Cipher (Robert De Niro) di cercare un cantante scomparso 10 anni prima. Mentre le sue indagini procedono, Harry viene travolto da una serie di orribili omicidi. Scoprendo la vera identità del cantante, questi è costretto ad affrontare una “terrificante verità”.
Non mi piace rivelare i dettagli della trama nelle recensioni cinematografiche, ma poiché il film probabilmente non sarà più in sala al momento della pubblicazione di questo numero, lo menzionerò. Alla fine scopriamo che Harry stesso è dietro la serie di omicidi e che il suo cliente, Louis Cypher, noto anche come Lucifero (altro nome dell’angelo caduto Satana), è un personaggio fittizio. Louis Cypher è una persona che risiede nella mente di Harry, in altre parole, la “coscienza di colpa” di Harry stesso. Così, apprendiamo che Harry stesso è l'”angelo caduto” (il che spiega perché il nome di Harry è Angelo), Lucifero Satana.
Senza rendersene conto, “Angel Heart” diventa completamente incomprensibile. Questo film descrive quello che il Cristianesimo chiama “peccato originale”.
Il Cristianesimo sostiene che tutti gli esseri umani nascono peccatori. Cosa rappresenta questo e perché esiste questo insegnamento? Questa è solo la mia interpretazione, ma forse i loro antenati (dei bianchi) hanno effettivamente commesso un grande peccato che non può essere cancellato.
E se quella colpa è stata tramandata alle generazioni future, sprofondata nei loro cuori, allora non c’è nulla di più spaventoso. Questo perché i fattori che porteranno alla distruzione del mondo, come predetto da Nostradamus e dall’Apocalisse, sono già dentro di loro. Alla fine del film, gli occhi del bambino brillano come quelli di Lucifero, a significare che il loro “peccato originale” viene trasmesso a tutte le razze. Alan Parker, che ha creato opere brillanti con ogni film fin da “Downtown Story”, ha finalmente creato il più grande film horror di tutti i tempi.
Parte 20: numero di “Fantastic Land” novembre 1987 P164-165
Sono andato in Thailandia per cinque giorni durante le mie vacanze estive, con un mese di ritardo. Mentre ero lì, ho letto sul giornale dello schianto di un aereo di linea nazionale thailandese (mi trovavo in una zona senza segnale televisivo), cosa che mi ha sorpreso, ma il tempo e la gente erano meravigliosi, ed è stato un viaggio divertente che non facevo da molto tempo. La Thailandia è un paese che in qualche modo mi trasmette una sensazione di mistero.
La cosa strana è che edifici come il Grande Palazzo Reale, il Tempio del Buddha di Smeraldo, il Tempio dell’Alba e il Tempio del Buddha d’Oro hanno colori e forme così intensi che è difficile credere che esistano davvero. I gioielli e l’oro incastonati nelle pareti esterne brillano alla luce del sole, quasi come un miraggio. La magnifica vista dall’esterno, l’impressione solenne che ho provato entrando e il trambusto che circondava l’edificio erano tutti incredibilmente surreali, fantastici e decisamente alla “Indiana Jones”. Mi sentivo come se fossi su un set di Hollywood, incredibilmente felice, e la mia mente era trasportata in un altro mondo. La forma del Tempio dell’Alba ricordava un razzo in attesa su una rampa di lancio. Mi chiedevo da dove venisse l’idea di una forma del genere. Forse questo paese era entrato in contatto con un altro mondo molto tempo fa. Mi faceva sentire così.
I fiumi attraversano Bangkok, fornendo vie di trasporto vitali per la vita delle persone. Noleggiammo una barca e ci godemmo una versione thailandese della “Crociera sul fiume Sumida”. Lasciandoci alle spalle la riva del fiume Menam, fiancheggiata da hotel di lusso, grattacieli e grandi templi, la barca, pilotata da una donna paffuta, imboccò uno stretto affluente. E poi… davanti ai miei occhi si aprì una baraccopoli!
Vecchi magazzini, barche e case costruite con il legname che riuscivano a trovare costeggiavano in lungo e in largo un fiume di fogna nero e viscido. La gente dormiva e pregava. Persino sul lato in cui confluivano le acque reflue della città, i bambini nuotavano energicamente. (Wow, che incredibile vitalità!) La mia mente tornò al mio vecchio lavoro, “Omolai-kun”, e fui di nuovo completamente trasportato in questo mondo. Il popolo thailandese, tuttavia, era tranquillo e gentile. Amavano il loro re, avevano una profonda fede nel buddismo ed erano davvero orgogliosi (c’erano statue di Buddha sulle barche, sui taxi e in ogni casa). Persino i bambini delle baraccopoli non mi chiedevano l’elemosina né cercavano di vendermi qualcosa. Erano coraggiosi, laboriosi e onesti.
L’energia della gente del posto, l’aria pulita del mare e il sole intenso mi hanno davvero dato energia dopo soli cinque giorni. Ero rimasto sveglio tutta la notte, quindi mi sentivo un po’ intontito durante il viaggio di ritorno.
Sentendomi energico, decisi di godermi i film in volo sul volo di ritorno.
A volte questi film in volo sono fantastici. Ho visto film come “Il braccio violento della legge “, “Rocky” e “Cabaret” in aereo. Quando ho visto “Cabaret” con Liza Minnelli, ero tirchio e non ho noleggiato le cuffie (prima le facevano pagare), ma ero così preso che ho finito per guardare il musical con i sottotitoli e senza audio fino alla fine. Questa volta
, ho visto un film americano intitolato “From the Hip”, un capolavoro avvincente con una commedia patetica nella prima parte e un serio dramma giudiziario nella seconda.
Il protagonista, un ambizioso avvocato in erba, escogita un piano per cogliere una nuova opportunità di carriera. Si assume la difesa di un imputato in un caso frivolo che porta chiaramente a un verdetto di colpevolezza. Fa squadra con il pubblico ministero, mette in scena una performance drammatica, diventa un argomento di discussione e il processo viene trasmesso in diretta TV. Alla fine, ottiene l’assoluzione e diventa un avvocato molto popolare. Questa è una commedia. I dialoghi volgari, fuori luogo in un’aula di tribunale, sono accattivanti e divertenti.
Poi, nella seconda metà del film, affronta l’ira dei suoi superiori nel suo studio e gli viene assegnato un caso particolarmente difficile. Difende un professore universitario accusato di aver ucciso una prostituta. Sebbene ci siano prove fisiche dell’omicidio, queste non possono essere comprovate. Poiché l’imputato appare una persona apparentemente calma, il protagonista fatica a decidere se sia colpevole o meno, e a decidere come difenderlo.
L’imputato è interpretato dal leggendario John Hurt, noto per il suo lavoro in “The Elephant Man “. Offre un’interpretazione davvero accattivante, interpretando il misterioso e intellettualmente inquietante personaggio.
Grazie all’abile difesa del protagonista, il processo procede verso un’assoluzione, ma la verità del caso rimane un mistero sia per lui che per il pubblico. Nel disperato tentativo di scoprire la verità, il protagonista, pronto a perdere la licenza di avvocato, finge di attaccare il pubblico ministero mentre delira ad alta voce su argomenti che susciteranno i complessi sessuali dell’imputato. In quel preciso istante, il volto del gentile professore si deforma orribilmente, e lui raccoglie il martello, una prova usata nell’omicidio, e lo colpisce alla schiena del protagonista. È il momento in cui la maschera di gentiluomo del gentile professore cade.
La sua amata moglie conforta teneramente il protagonista, che, pur essendo un avvocato, ha assunto il ruolo di pubblico ministero, anche se per scoprire la verità sul caso.
Non so quando questo film uscirà in Giappone, ma ha reso un noioso viaggio in aereo più interessante.
Parte 21: “Festival Wasshoi!” Numero di dicembre 1987 P164-165
Il secondo Tokyo International Film Festival è iniziato con il botto. Ero emozionato e ho deciso di partecipare alla cerimonia di apertura. Tuttavia, ho perso il film d’apertura, “The Tale of the Bamboo Cutter”, per motivi personali. Gli artisti manga sono molto impegnati in questo periodo dell’anno. E con così tanti film proiettati contemporaneamente, è difficile sapere quali scegliere. Da appassionato di cinema, sono interessato a tutti. Vorrei che in qualche modo potessero organizzarli separatamente in momenti diversi.
Kosei Ono, che ho incontrato alla festa di apertura, mi ha detto: “Dovresti dare un’occhiata ad alcuni film indiani che non sono usciti in Giappone”, ma il mio preferito è rimasto il Tokyo International Fantastic Film Festival.
Questo festival, che presenta film che sembrano essere adatti ai miei gusti, tra cui occulto, horror, fantasy e fantascienza, ha festeggiato la sua terza edizione e sono stato felicissimo di parteciparvi. Mi piacerebbe vedere un film al giorno, ma ancora una volta sono arrivato in ritardo alla cerimonia di apertura. Sono riuscito a partecipare alla festa di apertura del “… Film Festival” all’ANA Hotel, dove Rintaro mi ha detto: “La festa di apertura del Fanta è stata una bomba”. (Ugh, che peccato!)
Alla fine, sono riuscito ad andare al Fanta solo l’ultimo giorno e alla cerimonia di chiusura. Eppure, l’energia e l’entusiasmo unici creati dagli entusiasti fan del cinema condensati nel locale mi hanno fatto ribollire il sangue di gioia, risvegliando il mio lato selvaggio e facendomi sentire a un passo dal trasformarmi in un mostro.
L’ultimo giorno di Fanta, ho visto il film australiano “Captain Invincible”. È una parodia degli eroi dei fumetti americani, tra cui Superman. I personaggi e la storia, dal Capitano di Alan Arkin al signore oscuro di Christopher Lee, Mr. Midnight, sono adorabili e divertenti da guardare.
“Captain Invincible” è l’orgoglioso supereroe americano. Ai tempi di Al Capone, Capitan Midnight ha protetto i cittadini onesti dai gangster, ha sconfitto l’esercito tedesco nella Prima Guerra Mondiale e ha dato speranza alla gente durante la Grande Depressione. Tuttavia, a causa di un malinteso, cadde in disgrazia e si nascose. Mr. Midnight, un cattivo con un piano per dominare il mondo, approfitta della scomparsa di Captain Midnight e inizia a fare ciò che vuole. Alla fine, Captain Midnight, che era diventato un alcolizzato scontroso e sciatto, torna in scena, sconfigge Mr. Midnight e ripristina la pace nel mondo.
La goffaggine di Alan Arkin, la recitazione impeccabile di Christopher Lee e la regia arguta e il senso della parodia del regista Philippe Molla ( Howling 2/3 ) rendono questo film pieno di risate dall’inizio alla fine.
La fortuna è che possiamo sentire questi due cantare. La dolce e malinconica interpretazione di Alan Arkin di “The Bad Guys Were Easy to Spot” è davvero commovente. Lee, il famoso attore di Dracula, ha una voce baritonale splendidamente risonante, forse dovuta alla sua capacità di creare il tipo di vocalizzazioni vampiresche che ispirano tremore. Cantare e ballare con i coristi e i ballerini è sufficiente per farti sentire come se avessi vinto! Dopo aver visto il film, un mio fan mi ha detto: “Sembra proprio la tua parodia”. Mmm, ora che ci penso, sembra proprio opera mia. Potrei provare a scrivere un’altra gag parodistica come questa.
Questo film è stato realizzato nel 1982 con il budget più alto nella storia del cinema australiano, eppure non ha mai visto la luce. (Perché? È così divertente, perché?). Comunque, consiglio vivamente questo film, un capolavoro da tre stelle.
Il prossimo è il tanto chiacchierato “Robocop “. Murphy, un agente di polizia ucciso in servizio a causa di una cospirazione di un conglomerato che controlla la polizia, rinasce come un temibile e potentissimo cyborg di nome “RoboCop” e compie un’impresa esaltante per mantenere l’ordine a Detroit. Tuttavia, il suo atteggiamento coraggioso e audace viene tradito dagli egoisti dirigenti del conglomerato che lo ha creato, in lizza per una promozione, e dai suoi ex colleghi insoddisfatti del trattamento ricevuto. L’azione appariscente e il design dei robot mecha sono affascinanti, ma anche i notiziari televisivi e gli spot pubblicitari intermittenti sono incredibilmente realistici e divertenti.
Spezzoni di notiziari come “Oggi, un raggio missilistico è stato sparato accidentalmente da un satellite spaziale, colpendo direttamente e uccidendo 252 persone, tra cui due ex presidenti”, e uno spot di un’azienda di giocattoli che mostra una famiglia che gioca a una simulazione di guerra mondiale e alla fine preme un pulsante per attivare un’arma nucleare, fanno pensare: “Hmm, forse potrebbe davvero succedere”.
Il giorno della proiezione, il produttore esecutivo John Davison era ospite e ha dichiarato: “L’idea per questo film è venuta dal Giappone”. Non solo ha menzionato il design e le funzioni del robot, ma ha anche menzionato l’infallibile precisione di RoboCop, la sua dedizione assoluta al suo obiettivo e la sua lealtà: sembra probabile che abbia creato il personaggio pensando al popolo giapponese. Questo film è anche una raccomandazione diretta e piacevole, che si è guadagnata una valutazione Hanamaru.
Ai festival cinematografici, assaporo sempre la gioia di guardare un film con un pubblico che ama davvero il cinema. Di solito mi infastidiscono quelli che chiacchierano, masticano, frusciano e fanno rumori insensibili che sembrano non concentrarsi mai sul film. Come il pubblico di questo festival cinematografico, che applaude nei momenti emozionanti, applaude quando i registi devono aver faticato e applaude durante le scene divertenti, credo che sia questo senso di “essere parte della storia del cinema” che permette a questi capolavori di essere creati. In precedenza ho scritto dell’entusiasmo per un’anteprima per gli sceneggiatori a cui ho assistito a Los Angeles, ma gli applausi del pubblico qui erano ancora più entusiasti, e Davison e il presidente dell’Aboriaz Film Festival, Shushan, sembravano felici. ”
Sì! Lo farò anch’io! Presto farò un film fantastico! Farò un capolavoro che sarà applaudito da quegli appassionati di cinema entusiasti e lo presenterò a questo Fantastico Festival del Cinema!” Ho lasciato Shibuya con questi pensieri in mente.
Parte 22: Arekore Theater, numero di gennaio 1988, P132-133
La qualità del cinema in cui si guarda un film può avere un impatto significativo sull’impressione che se ne ricava. Finora, ho sempre cercato di scegliere cinema con le migliori strutture e l’atmosfera migliore per i film che mi interessano.
Quando ho visitato per la prima volta i tre principali cinema di Hollywood – il Chinese Theater, l’Egyptian Theater e il Cinerama Dome – sono rimasto sopraffatto dalla grandiosità delle loro strutture e ho vissuto uno shock culturale riguardo al concetto di cinema.
Gli ingressi erano caratterizzati da sculture e colonne entasiche, il personale accoglieva gli ospiti in smoking, le hall erano spaziose e i cinema stessi erano lussuosi come teatri d’opera. L’acustica e la qualità dello schermo erano ineguagliabili in Giappone, ma il maxischermo del Cinerama Dome era particolarmente impressionante. Quando ho guardato la scena del mare agitato in “Raise the Titanic” da un posto in prima fila, mi è venuto il mal di mare, quindi mi sono subito spostato in fondo.
Per quanto mi riguarda, sono lieto di vedere la recente apertura di nuovi ed eleganti cinema nel centro di Tokyo. Mentre gli altri cinema nella zona di Yurakucho sono semplicemente “meravigliosi”, il Marunouchi Louvre è particolarmente impressionante. Ho persino saltato l’ anteprima del distributore di “Le streghe di Eastwick
“, diretto dal mio regista preferito, George Miller, solo per poter vedere un film in questo cinema. La biglietteria del Louvre era bellissima (evviva!), l’atrio era spazioso come la hall di un hotel (evviva!), le poltrone avevano i poggiatesta (wow) e l’enorme lampadario dorato scintillante al centro del soffitto era assolutamente meraviglioso (fantastico!). All’inizio del film, questo lampadario si alzava fino al soffitto, cambiando colore in sette modi diversi insieme alla musica di sottofondo. Non ho potuto fare a meno di applaudire il lampadario. Se mi ha fatto sentire così bene, sono sicuro che anche un film leggermente brutto sarebbe comunque godibile.
Naturalmente, “Eastwick” è stato un film molto piacevole e ben fatto. La trama non è quella esagerata che inizialmente ci si aspettava, con una battaglia tra il diavolo e la strega, ma più una favola tra uomini e donne, ma Jack Nicholson, che interpreta il diavolo, sfoggia le sue molteplici doti recitative, il che rende il film di per sé interessante.
Nella scena in cui guida a passo svelto verso una piccola cittadina rurale a bordo della sua Lincoln Continental, appare come un elegante e ricco gentiluomo con molto tempo libero, e quando corteggia tre donne affamate d’amore, a volte appare come un innocente e avido uomo di mezza età, a volte come un brillante artista che esalta il talento delle donne. Dopo aver domato con successo queste tre donne e aver iniziato a vivere insieme, diventa un demone “affidabile” dell’harem, che non risparmia sforzi per realizzare i loro sogni. Quando viene abbandonato dalle donne, mostra una coraggiosa innocenza, in piedi sotto la pioggia battente sulla soglia di casa, stringendo bouquet e piangendo mentre implora la riconciliazione. Si lamenta della sua vedovanza, dicendo: “Anche io, un demone, vorrei solo che qualcuno mi stirasse la camicia, come qualsiasi altro uomo…” Infine, il suo dolore per essere stato tradito dalle sue donne lo trasforma in un demone terrificante.
Questa è una hit parade della recitazione di Jack Nicholson! La sua capacità di immergersi completamente in qualsiasi ruolo (anche non umano) in qualsiasi contesto è una testimonianza della sua abilità nell’adattarsi. Nicholson è particolarmente ineguagliabile quando si tratta di ritrarre la follia umana. Anche “Shining” di Stanley Kubrick mi ha lasciato una forte impressione per la sua interpretazione. A quest’età, forse solo Robert De Niro ha la gamma, la forte personalità e la potenza per lasciare un’impressione duratura sul pubblico. A proposito di Robert De Niro , sono andato a vedere “Gli intoccabili”, in cui interpreta Al Capone , non per il lampadario, ma per vedere lui. Il regista del film, Brian De Palma, era uno dei miei registi preferiti, ma negli ultimi anni ho imparato a detestarlo. I suoi primi film, come “Il fantasma del palcoscenico” e “Carrie”, erano pieni di fascino mistico, e le sue opere in stile Hitchcock, come “Memorie della fine” e “Vestito per uccidere”, dimostravano il suo eccezionale talento nel dirigere suspense e mistero, catturandomi e commuovendomi. Tuttavia, le cose iniziarono ad andare male intorno al periodo del suo divorzio da Nancy Allen, e produsse solo film strani con strutture narrative frammentarie. Odiavo “Scarface” e “Omicidio a luci rosse” perché descrivevano la follia umana e le emozioni stanche del regista erano così chiaramente visibili in superficie. De Palma è tornato brillantemente con “Gli intoccabili”. Ogni personaggio di questo film è ritratto con amore e cura. Kevin Costner nei panni di Eliot Ness e gli attori non protagonisti offrono entrambi interpretazioni superbe. La “follia a sangue freddo” di Robert De Niro nei panni di Capone è diversa da quella di Jack Nicholson, ed è grandiosa. Sean Connery è eccellente nel ruolo di Jimmy Malone, un personaggio caldo e virile. Connery ha sempre cercato di staccarsi dalla sua immagine di spia fredda in “007…”, ma penso che la sua interpretazione di un personaggio completamente diverso da Bond in questo film sia stata perfetta. Pur essendo un fan della vecchia serie TV, sono rimasto molto soddisfatto di questo film. Tuttavia, mentre la serie TV presentava un’entusiasmante battaglia tra il successore di Capone, Frank Nitty, ed Eliot Ness, che si protraeva per settimane, sono rimasto sorpreso nel vedere che nel film Nitty fosse solo un sicario che moriva così facilmente. Il sicario perverso del film, tutto vestito di bianco, era interessante a modo suo, ma Nitty nella serie TV, pur essendo un cattivo, era un personaggio di grande impatto e freddo, il che mi ha reso ancora più curioso. Qual era la verità?
Parte 23: numero di “Hero Ethnology” del febbraio 1988, pp. 172-173 (versione definitiva)
La prima volta che vidi un film di 007 avevo 19 anni, quando avevo lasciato la scuola e avevo deciso di diventare un mangaka. Era il secondo film della serie, “Dalla Russia con amore (Una crisi)”. Andai al cinema attratto dal titolo intrigante, senza alcuna conoscenza preliminare del significato della frase ad effetto “007 è il numero killer” o della realtà della professione di spia. Ma fui immediatamente catturato dalla storia della prima “spia eroica” ad apparire nella storia del cinema. Gli elementi del personaggio di James Bond, che vive nel lato oscuro del backstage politico, come un ninja giapponese, si integrano perfettamente con l’inquietante oscurità dell’interpretazione di Joan Connery, rendendo il film davvero coinvolgente. Mentre Bond è impegnato in una caotica serie di omicidi con un assassino russo, questa serie è stata la prima ad avere un’ambientazione “da spia a spia”. A proposito di “prime volte”, anche l’uso di oggetti di scena, come i vari accessori per le pistole, come mirini e silenziatori, è stato rinfrescante. Sono rimasto davvero stupito dalla scena in cui assembla il suo fucile Luger con un clic e abbatte un elicottero sopra di me.
Il Bond di Sean Connery mi ha fatto fantasticare su cosa significasse essere una spia. Era un playboy dai modi impeccabili, esperto di martini e vino, e si dedicava con grazia all’amore con donne sexy senza lasciarsi trasportare. Viaggiava per il mondo a bordo di veicoli lussuosi come aerei e l’Orient Express. Era abile nell’uso di varie armi, un atleta che eccelleva anche nelle immersioni subacquee e nell’equitazione, e abbastanza calmo da uccidere i suoi nemici senza cambiare espressione. Incarnava ogni desiderio che un uomo potesse avere! Il Bond di Connery era l’epitome del male, e i suoi film erano pieni di fascino adulto, o in altre parole, di freddezza.
Vivevo una vita monotona, lavoravo part-time e disegnavo manga, quindi desideravo ardentemente questo nuovo eroe. All’epoca, le brutte realtà della CIA, del KGB e dell’SIS erano ancora relativamente sconosciute, ma era facile proiettare i sogni degli uomini sulle spie. Il Bond di Connery potrebbe essere stato un eroe nato in quell’epoca. Tuttavia, dopo l’
arrivo di Roger Moore, il “ravanello luminoso”, la serie di 007 adottò un approccio più comico e appariscente. La mancanza di appeal di Moore fu compensata da azioni e trovate eccessivamente appariscenti, come i personaggi comici di Lo Squalo. Le Bond girl, un tempo glamour, improvvisamente diventarono piatte. La serie di Moore rappresenta anche un Bond di un’epoca diversa, un’epoca in cui la “fantasia dello spionaggio” era svanita. Il nuovo Bond, Zona pericolo, introduce un tipo di Bond completamente diverso. Il Bond di Timothy Dalton è un giovane innocente, sincero e bonario.
Il nuovo Bond è semplicemente più gentile. Questo è particolarmente evidente nel modo in cui tratta le donne. Per prima cosa, si innamora della donna del nemico e, quando sono insieme, la abbraccia come se fosse un oggetto rotto. La scena finale fa venire voglia di chiedersi se finirà per mettere su famiglia. È in netto contrasto con la natura fredda e scapestrata di Connery e la sua natura rude e ribelle! I suoi occhi sembrano molto sinceri, ma mettono anche in luce la crudeltà di una spia in tempi di crisi. Il Bond di Dalton, che non accetta ciecamente gli ordini ma usa il proprio cervello per portare a termine fedelmente la sua missione, potrebbe essere un nuovo eroe nato in un’epoca in cui “gli uomini gentili sono popolari”. Ora, il mondo del romanzo giapponese ha finalmente prodotto un nuovo personaggio: Yasunori Kato, l’eroe malvagio del capolavoro di Hiroshi Aramata, “Teito Monogatari”, candidato quest’anno al “SF Grand Prize”.
Questo eroe unico, un “sovrumano” nato per distruggere Tokyo con la magia, sarà un must quando apparirà in un film. Anche il cast e la troupe annunciati sono impressionanti. La mia unica preoccupazione era se fossero in grado di riassumere adeguatamente l’intero romanzo in dieci volumi. Mi sono precipitato alla proiezione, pensando: “E se fosse solo un riassunto?”. Il film era un riassunto brillante. Raccoglie i primi quattro volumi di Hara Showa Kai, ma sebbene presenti la maggior parte dei personaggi del romanzo, nessuno di essi è spiegato in modo esaustivo, rendendo le relazioni e la storia completamente incomprensibili per gli spettatori che non hanno letto l’originale.
Tuttavia, l’ho trovato “magistrale” perché è divertente per chi ha letto l’originale e ne comprende il contenuto. Le parti migliori, le immagini che si vogliono vedere, sono presentate in modo potente e impressionante, e gli effetti speciali rivaleggiano con gli standard di Hollywood. (Consiglio di leggere i primi quattro volumi dell’originale prima di vedere questo film.)
Tra l’altro, ogni gennaio si tiene ad Avoriaz, in Francia, il Festival Internazionale del Film Fantastico. L’anno prossimo sono stato selezionato (!?) per far parte della giuria, insieme a star internazionali e registi famosi.
In Francia, il mio film d’animazione “Goldrack” (intitolato “Goldrack” in Francia) continua a riscuotere un enorme successo e, ancora oggi, a distanza di dieci anni, viene trasmesso ripetutamente in TV. La decisione di proiettarlo è nata all’improvviso, grazie alla collaborazione del signor Komatsuzawa, produttore del “Fantastic Film Festival” giapponese, e al fatto che il figlio di Lionel Chouchan, presidente dell’Avoriaz Film Festival, è un appassionato di “Goldrack”.
Dal Giappone, “Teito Monogatari” (Il racconto della capitale imperiale) è in programma per questo festival. Non vedo l’ora di vedere come si comporterà rispetto ai film fantastici del mondo.
Data di Pubblicazione: 1985
Casa Editrice: Monthly Manga Shonen/Tokuma Shoten
